Usamos cookies propias y de terceros para ayudarte en tu navegación. Si continuas navegando consideramos que aceptas el uso de cookies.OKMás información
Con esta polémica y explosiva película conseguía Emir Kusturika su segunda Palma de Oro en Cannes, galardón que ya le fue otorgado diez años antes con su segundo largometraje "Papá está en viaje de negocios (1985)", un film que al igual que su debut "¿Te acuerdas de Dolly Bell? (1981)" trata sobre la represión sufrida en Yugoslavia durante el régimen comunista impuesto por Josip Broz Tito, después de la ocupación alemana durante la Segunda Guerra Mundial. En "Underground" Kusturika vuelve sobre el conflicto yugoslavo pero con una visión mas amplia ya que la película consta de tres actos; "La guerra", sobre la invasión nazi,"La guerra fría", sobre el gobierno de Tito, y otra vez "La Guerra", en este caso sobre el conflicto de los Balcanes (1991-1999). Precisamente toda la polémica surgida a raíz del estreno de "Underground" tuvo que ver con que la Guerra de Yugoslavia se encontraba en un momento de especial violencia y acusaron a Kusturika de otorgarle al film una visión demasiado a favor del lado serbio, ya que el director aunque nacido bosnio siempre ha optado por opciones pro-yugoslavas.
Polémicas aparte, "Underground" es un film épico y extenso (165 minutos en su versión para el cine, 300 minutos en su versión extendida para televisión) que como es habitual en Kusturika aglutina grandes dosis de humor negro, sátira y drama a partes iguales, predominando el realismo mágico tan característico en su obra,elementos todos ellos que hacen mas llevadero un duro relato bélico tan complejo y violento como es el de Yugoslavia. Otro elemento importante en el film es la magnífica banda sonora de Goran Bregovic, cuya elaborada música balcánica y zíngara se apodera del cine de Kusturika a partir de "El tiempo de los gitanos (1989)". Bordeando el surrealismo en gran parte del metraje, ahí quedan para el recuerdo la omnipresente orquesta balcánica que acompaña y sigue allá donde vayan a los dos protagonistas del film , Marko Dren (Miki Manojlović) y Petar Popara "Blacky" (Lazar Ristovski), especialmente en las secuencias de juergas y excesos o interminables festejos de boda tan característicos del sentir de los eslavos.El dúo protagonista está inspirado en dos personajes reales Aleksandar "Leka" Ranković y Sreten Žujović, colaboradores cercanos a Josip Broz Tito.
Si a las ideas políticas pro-serbias de Kusturika le sumamos un extenso y trepidante metraje donde el alcohol, el sexo, la fiesta y las danzas balcánicas no dejan un momento de respiro, es comprensible que a "Underground" le saliesen muchos detractores pero también es comprensible su triunfo en Cannes y el que esté considerada como una de las mejores obras del serbio; Kusturika supera con creces el reto de ambientar su film en tres periodos históricos diferentes,con el consecuente trabajo de ambientación y vestuarios que ello conlleva, así mismo la fotografía de Vilko Filac desprende un tono mágico acorde con la gran cantidad de escenas oníricas que el film atesora, ya sea en las oscuridad del sótano que da título a la película o en las escenas diurnas tan evocadoras a orillas del Danubio; donde al desprenderse un trozo de tierra a modo de isla (en clara referencia al conflicto yugoslavo) los personajes celebran una fiesta de reconciliación y en pantalla leemos "Esta historia no tiene fin..."
Tristemente la historia contada no ha tenido un fin hasta casi nuestros días y es que como dice el habitual de Kusturika, Miki Manojlović ("Papá está en viaje de negocios") caracterizado en "Underground" como el sinverguenza Marko Dren en una escena del film en la que bombardean por segunda vez Belgrado; "Si no son los alemanes los que nos bombardean, son los aliados"... en clara referencia al doble bombardeo que sufrieron los yugoslavos durante la ocupación alemana y posteriormente por los Aliados anglo-estadounidenses y anticipando irónicamente los bombardeos de la OTAN en 1999 al pueblo serbio.
Con esta polémica y explosiva película conseguía Emir Kusturika su segunda Palma de Oro en Cannes, galardón que ya le fue otorgado diez años antes con su segundo largometraje "Papá está en viaje de negocios (1985)", un film que al igual que su debut "¿Te acuerdas de Dolly Bell? (1981)" trata sobre la represión sufrida en Yugoslavia durante el régimen comunista impuesto por Josip Broz Tito, después de la ocupación alemana durante la Segunda Guerra Mundial. En "Underground" Kusturika vuelve sobre el conflicto yugoslavo pero con una visión mas amplia ya que la película consta de tres actos; "La guerra", sobre la invasión nazi,"La guerra fría", sobre el gobierno de Tito, y otra vez "La Guerra", en este caso sobre el conflicto de los Balcanes (1991-1999). Precisamente toda la polémica surgida a raíz del estreno de "Underground" tuvo que ver con que la Guerra de Yugoslavia se encontraba en un momento de especial violencia y acusaron a Kusturika de otorgarle al film una visión demasiado a favor del lado serbio, ya que el director aunque nacido bosnio siempre ha optado por opciones pro-yugoslavas.
Polémicas aparte, "Underground" es un film épico y extenso (165 minutos en su versión para el cine, 300 minutos en su versión extendida para televisión) que como es habitual en Kusturika aglutina grandes dosis de humor negro, sátira y drama a partes iguales, predominando el realismo mágico tan característico en su obra,elementos todos ellos que hacen mas llevadero un duro relato bélico tan complejo y violento como es el de Yugoslavia. Otro elemento importante en el film es la magnífica banda sonora de Goran Bregovic, cuya elaborada música balcánica y zíngara se apodera del cine de Kusturika a partir de "El tiempo de los gitanos (1989)". Bordeando el surrealismo en gran parte del metraje, ahí quedan para el recuerdo la omnipresente orquesta balcánica que acompaña y sigue allá donde vayan a los dos protagonistas del film , Marko Dren (Miki Manojlović) y Petar Popara "Blacky" (Lazar Ristovski), especialmente en las secuencias de juergas y excesos o interminables festejos de boda tan característicos del sentir de los eslavos.El dúo protagonista está inspirado en dos personajes reales Aleksandar "Leka" Ranković y Sreten Žujović, colaboradores cercanos a Josip Broz Tito.
Si a las ideas políticas pro-serbias de Kusturika le sumamos un extenso y trepidante metraje donde el alcohol, el sexo, la fiesta y las danzas balcánicas no dejan un momento de respiro, es comprensible que a "Underground" le saliesen muchos detractores pero también es comprensible su triunfo en Cannes y el que esté considerada como una de las mejores obras del serbio; Kusturika supera con creces el reto de ambientar su film en tres periodos históricos diferentes,con el consecuente trabajo de ambientación y vestuarios que ello conlleva, así mismo la fotografía de Vilko Filac desprende un tono mágico acorde con la gran cantidad de escenas oníricas que el film atesora, ya sea en las oscuridad del sótano que da título a la película o en las escenas diurnas tan evocadoras a orillas del Danubio; donde al desprenderse un trozo de tierra a modo de isla (en clara referencia al conflicto yugoslavo) los personajes celebran una fiesta de reconciliación y en pantalla leemos "Esta historia no tiene fin..."
Tristemente la historia contada no ha tenido un fin hasta casi nuestros días y es que como dice el habitual de Kusturika, Miki Manojlović ("Papá está en viaje de negocios") caracterizado en "Underground" como el sinverguenza Marko Dren en una escena del film en la que bombardean por segunda vez Belgrado; "Si no son los alemanes los que nos bombardean, son los aliados"... en clara referencia al doble bombardeo que sufrieron los yugoslavos durante la ocupación alemana y posteriormente por los Aliados anglo-estadounidenses y anticipando irónicamente los bombardeos de la OTAN en 1999 al pueblo serbio.
Felicia (Guy Pearce) y Mitzi (Hugo Weaving) son dos varones homosexuales, artistas que viven de sus actuaciones en directo en pequeños bares. Durante sus espectáculos, se transforman en auténticas Drag-Queens, cantando en modo playback antiguas canciones de música disco y coreografiando sus propios números con su particular estilo y vestuario. Su público no siempre aprecia su original estilo y sufren algún que otro percance tan característico de la sociedad australiana que se pretende fotografiar, donde imperan las condiciones de macho viril con escasa o nula tolerancia a cualquier evento que requiera una mente más abierta.
Bernadette (Terence Stamp), es un transexual, una auténtica artista cabaret famosa en su juventud, pero actualmente en completa decadencia, especialmente tras la repentina muerte de su joven novio. Mizti, recibe una llamada telefónica que le resulta muy inquietante: ha sido contratado para actuar en un hotel de Alice Springs, en mitad del desierto rojo de Australia. Tras acompañar a su gran amigo Bernadette en el funeral de su pareja, lo convence para que viaje con él, intente olvidar sus penas y les aporte su experiencia para el espectáculo, ya que para él supone una cita muy importante.
Felicia, es un homosexual demasiado atrevido, deslenguado y arrogante, representa el elemento más joven del grupo. Mitzi, de mediana edad, carga sobre sus hombros unos miedos que no quiere confesar, pero que le preocupan explícitamente. Bernadette, un transexual demasiado mayor para ilusionarse por la vida, es el portador de toda la sabiduría que le han dado sus difíciles experiencias durante los años: Es elegante como una dama y sabe pelear como un feroz vaquero. Juntos emprenderán el camino hacia su destino en una singular Road-movie donde tendrán que atravesar el desierto de Australia, desde Sidney hasta Alice Springs. Para hacerlo, escogen un viejo autobús que bautizan como "Priscilla". Viviendo en dicho autobús, compartiendo espacio y carretera, atravesarán numerosas regiones de Australia sufriendo diferentes experiencias. Atravesando Australia desde el sur templado, desarrollado e industrial, hasta el norte despoblado, rural, desértico y tórrido.
Como fiel reflejo del país que atraviesan se encontrarán diferentes tipos de personajes: desde los granjeros más convencionales que huyen de ellos dejándolos tirados en mitad del desierto hasta los aborígenes, capaces de bailar y montar con ellos una fiesta mezcla de folklores en mitad de la noche.
Los diferentes percances que la representación de su espectáculo va desencadenando en los aislados y pequeños pueblos de interior que van atravesando con su autobús, van desempolvando viejos recuerdos de cada uno de ellos, de sus infancias e incluso de los temores que más les preocupan.
Esta road movie musical australiana, escrita y dirigida por Stephan Elliott se convirtió en una película muy popular con un éxito inesperado por su aparente frivolidad dentro de los dramas que abordaban el tema de la homosexualidad en los años 90. Recordemos que estamos en plena época de muertes por la enfermedad del VIH, viviendo una revolución social que afectó desde la política a la economía y que obligó a tomar conciencia de la existencia de un grupo social hasta entonces arrinconado en su guetto, para pasar a ser una prioridad de salud pública mundial.
La película es mucho más que una simple historia de travestis. Los diálogos brillantes, rápidos y picantes de Elliot dan lugar a bromas de doble sentido donde los protagonistas se ríen de todo y todos, hasta de sí mismos, con un ritmo muy ágil en la narración, combinando elementos individuales con eventos que sufren como grupo atravesando el desierto.
La estupenda fotografía de Brian J. Breheny, especialmente del paisaje desértico, con un particular montaje entre amplios horizontes y pequeñas criaturas silvestres enfocadas en plano detalles, constituyen una obra visual muy rica, tal y como hubiera hecho el mismísimo Mallick, pero esta vez, el paisaje está salpicado por los brillantes colores de tres estrellas rutilantes cuyo único deseo es que su arte pueda ser apreciado por el público. Es muy destacable el vestuario diseñado por Tim Chappel y Lizzi Gardiner que dio vida a esos fantásticos contrastes de color en el desierto australiano.
La película, pese a su tono chirriante, es todo un llamado a la tolerancia y analiza la noción de masculinidad y de paternidad en la comunidad homosexual, en un país como Australia tan conocido por su cultura machista. El director quiso dar otra visión de su país, el de los travestis de Sidney y para ellos eligió un colosal elenco donde un joven Guy Pearce para Adam/ Felicia está fantástico, cuesta reconocer en él a personajes como el protagonista de "Memento (2000)". Hugo Weaving está colosal y lleva toda la trama sobre sus hombros con su personaje de Tick/ Mizti casi imposible de relacionar con su personaje de "Matrix (1999)". Terence Stamp, también borda su papel como transexual con miedo a envejecer solo.
Las representaciones musicales de los tres son muy divertidas. La película en su conjunto funciona tanto por la solidez del reparto como por la trama, el ritmo narrativo y el gran montaje fotográfico de una muy decente e innovadora road- movie.
Título original: The Adventures of Priscilla, Queen of
the Desert.
Director: Stephan Elliott.
Intérpretes: Terence
Stamp, Hugo
Weaving, Guy
Pearce, Bill
Hunter, Sarah
Chadwick, Mark
Holmes, Rebel
Penfold-Russell.
Felicia (Guy Pearce) y Mitzi (Hugo Weaving) son dos varones homosexuales, artistas que viven de sus actuaciones en directo en pequeños bares. Durante sus espectáculos, se transforman en auténticas Drag-Queens, cantando en modo playback antiguas canciones de música disco y coreografiando sus propios números con su particular estilo y vestuario. Su público no siempre aprecia su original estilo y sufren algún que otro percance tan característico de la sociedad australiana que se pretende fotografiar, donde imperan las condiciones de macho viril con escasa o nula tolerancia a cualquier evento que requiera una mente más abierta.
Bernadette (Terence Stamp), es un transexual, una auténtica artista cabaret famosa en su juventud, pero actualmente en completa decadencia, especialmente tras la repentina muerte de su joven novio. Mizti, recibe una llamada telefónica que le resulta muy inquietante: ha sido contratado para actuar en un hotel de Alice Springs, en mitad del desierto rojo de Australia. Tras acompañar a su gran amigo Bernadette en el funeral de su pareja, lo convence para que viaje con él, intente olvidar sus penas y les aporte su experiencia para el espectáculo, ya que para él supone una cita muy importante.
Felicia, es un homosexual demasiado atrevido, deslenguado y arrogante, representa el elemento más joven del grupo. Mitzi, de mediana edad, carga sobre sus hombros unos miedos que no quiere confesar, pero que le preocupan explícitamente. Bernadette, un transexual demasiado mayor para ilusionarse por la vida, es el portador de toda la sabiduría que le han dado sus difíciles experiencias durante los años: Es elegante como una dama y sabe pelear como un feroz vaquero. Juntos emprenderán el camino hacia su destino en una singular Road-movie donde tendrán que atravesar el desierto de Australia, desde Sidney hasta Alice Springs. Para hacerlo, escogen un viejo autobús que bautizan como "Priscilla". Viviendo en dicho autobús, compartiendo espacio y carretera, atravesarán numerosas regiones de Australia sufriendo diferentes experiencias. Atravesando Australia desde el sur templado, desarrollado e industrial, hasta el norte despoblado, rural, desértico y tórrido.
Como fiel reflejo del país que atraviesan se encontrarán diferentes tipos de personajes: desde los granjeros más convencionales que huyen de ellos dejándolos tirados en mitad del desierto hasta los aborígenes, capaces de bailar y montar con ellos una fiesta mezcla de folklores en mitad de la noche.
Los diferentes percances que la representación de su espectáculo va desencadenando en los aislados y pequeños pueblos de interior que van atravesando con su autobús, van desempolvando viejos recuerdos de cada uno de ellos, de sus infancias e incluso de los temores que más les preocupan.
Esta road movie musical australiana, escrita y dirigida por Stephan Elliott se convirtió en una película muy popular con un éxito inesperado por su aparente frivolidad dentro de los dramas que abordaban el tema de la homosexualidad en los años 90. Recordemos que estamos en plena época de muertes por la enfermedad del VIH, viviendo una revolución social que afectó desde la política a la economía y que obligó a tomar conciencia de la existencia de un grupo social hasta entonces arrinconado en su guetto, para pasar a ser una prioridad de salud pública mundial.
La película es mucho más que una simple historia de travestis. Los diálogos brillantes, rápidos y picantes de Elliot dan lugar a bromas de doble sentido donde los protagonistas se ríen de todo y todos, hasta de sí mismos, con un ritmo muy ágil en la narración, combinando elementos individuales con eventos que sufren como grupo atravesando el desierto.
La estupenda fotografía de Brian J. Breheny, especialmente del paisaje desértico, con un particular montaje entre amplios horizontes y pequeñas criaturas silvestres enfocadas en plano detalles, constituyen una obra visual muy rica, tal y como hubiera hecho el mismísimo Mallick, pero esta vez, el paisaje está salpicado por los brillantes colores de tres estrellas rutilantes cuyo único deseo es que su arte pueda ser apreciado por el público. Es muy destacable el vestuario diseñado por Tim Chappel y Lizzi Gardiner que dio vida a esos fantásticos contrastes de color en el desierto australiano.
La película, pese a su tono chirriante, es todo un llamado a la tolerancia y analiza la noción de masculinidad y de paternidad en la comunidad homosexual, en un país como Australia tan conocido por su cultura machista. El director quiso dar otra visión de su país, el de los travestis de Sidney y para ellos eligió un colosal elenco donde un joven Guy Pearce para Adam/ Felicia está fantástico, cuesta reconocer en él a personajes como el protagonista de "Memento (2000)". Hugo Weaving está colosal y lleva toda la trama sobre sus hombros con su personaje de Tick/ Mizti casi imposible de relacionar con su personaje de "Matrix (1999)". Terence Stamp, también borda su papel como transexual con miedo a envejecer solo.
Las representaciones musicales de los tres son muy divertidas. La película en su conjunto funciona tanto por la solidez del reparto como por la trama, el ritmo narrativo y el gran montaje fotográfico de una muy decente e innovadora road- movie.
Título original: The Adventures of Priscilla, Queen of
the Desert.
Director: Stephan Elliott.
Intérpretes: Terence
Stamp, Hugo
Weaving, Guy
Pearce, Bill
Hunter, Sarah
Chadwick, Mark
Holmes, Rebel
Penfold-Russell.
Tras haber conseguido el reconocimiento mundial, tanto de la crítica, como del público con la magistral "Sin perdón (1992)" Eastwood vuelve a hacer un giro en su filmografía, al que ya estamos acostumbrados, al ofrecernos obras tan distintas entre sí y cambios de género; unas más personales que otras, otras con mejor acierto que otras, pero la mayoría de ellas llevan implícitas marca de calidad del autor y manteniendo en muchas de ellas las constantes en su cine como puede ser las difíciles relaciones familiares, con la religión o la necesidad de redención de los personajes que retrata.
Así, en la búsqueda de nuevos temas o tratamientos, filma "El aventurero de medianoche (1982)", que a semejanza de Un mundo perfecto muestra la relación y amistad de un adulto, un cantante de country aquejado de una enfermedad terminal, con su sobrino adolescente, camino de Nashville apara intentar grabar su primer disco.
Cuatro años más tarde de "El sargento de hierro (1986)" nos vuelve a sorprender con la independiente "Bird (1988)" una excelente obra acerca de la figura de Charlie Parker, alejándose del formato de biopic para dejar que la música, la dirección y Forrest Whitaker hagan el resto.
Con guión de John Lee Hancock, autor también de "Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997)" Eastwood se sumerge en las fuentes clásicas del cine americano en la tradición más romántica del film noir de los cuarenta. Un fuera de la ley abocado a una carrera contrarreloj hacia el abismo, mediante un viaje al interior de la América profunda; una América profunda colorista y luminosa.
Butch Haynes (Kevin Costner, que a mi juicio ofrece una de sus mejores interpretaciones) es un delincuente que ha huido de un penal de Texas. Él y su compañero de fuga toman a Terry Pugh como rehén. Terry tiene ocho años, vive con su madre, una mujer con fuertes convicciones religiosas y testigo de Jehová. La relación que se establece entre ambos bien podría ser de padre e hijo, ya que ninguno de los dos ha conocido a su padre ni ha tenido una familia tradicional. Así, durante el viaje, que será iniciático para ambos, Butch pasará a ejercer el rol del padre que nunca tuvo Terry. Ya en el inicio de la película, ambos personajes se unen mediante el montaje paralelo que hace Eastwood en la secuencias de la fuga de los dos delincuentes, con la fiesta de Hallowen del pequeño Terry. Esa unión permanecerá durante su viaje hasta el trágico,, emotivo y duro final. El viaje se convierte en una aventura de conocimiento mutuo y aprendizaje para el pequeño en el que se va trazando una auténtica relación filial, tierna y sin sensiblería.
Durante su viaje sufrirán la persecución de la policía. Uno es un veterano del cuerpo de la policía montada de Tecas, Red Garnett (Clint Eastwood), una criminóloga novata, Sally Gerber (Laura Dern), el ayudante de Garnett y un agente de la CIA experto francotirador. Unas medidas y recursos desproporcionados, según Garnett, para dar caza a un delincuente reincidente y que ha pasado la mayoría de su vida entre rejas. Para la criminóloga, Butch supone un fracaso del sistema incapaz de reinsertar a sus exconvictos. Todo ello creará conflictos entre los agentes del orden; Garnett se ve sobrepasado por las nuevas tecnologías y la burocracia. Atrás quedaron las decisiones en que se tomaban en solitario, sin ser aprobadas por burócratas y tecnócratas. Tiene una gran experiencia a sus espaldas y una eterna pugna contra las instituciones. Y varios errores también. Quizá espera encontrar el sentido a todo con una resolución menos trágica y distinta al conflicto que le ocupa.
Un mundo perfecto, con música de Lennie Niehaus con la colaboración del propio Clint, puede ser unan película sencilla; una mezcla de géneros, desde road movie, tintes de film noir, drama y algo de western, donde Eastwood le imprime una interesante reflexión y sensibilidad, excelentemente narrada y dirigida, y con la ansiada y difícil de aplicar síntesis que contienen sus imágenes, no exenta de bastante desesperanza y con esos finales contundentes y realistas marca de la casa.
Frase para recordar:
"- Sé cómo eres. Eres un buen hombre.
- No... Pero tampoco soy el peor."
Título original: A Perfect World.
Director:Clint Eastwood.
Intérpretes: Kevin Costner, Clint Eastwood, Laura Dern, T.J. Lowther, Keith Szarabajka, Leo Burmester, Paul Hewitt, Bradley Whitford.
Tras haber conseguido el reconocimiento mundial, tanto de la crítica, como del público con la magistral "Sin perdón (1992)" Eastwood vuelve a hacer un giro en su filmografía, al que ya estamos acostumbrados, al ofrecernos obras tan distintas entre sí y cambios de género; unas más personales que otras, otras con mejor acierto que otras, pero la mayoría de ellas llevan implícitas marca de calidad del autor y manteniendo en muchas de ellas las constantes en su cine como puede ser las difíciles relaciones familiares, con la religión o la necesidad de redención de los personajes que retrata.
Así, en la búsqueda de nuevos temas o tratamientos, filma "El aventurero de medianoche (1982)", que a semejanza de Un mundo perfecto muestra la relación y amistad de un adulto, un cantante de country aquejado de una enfermedad terminal, con su sobrino adolescente, camino de Nashville apara intentar grabar su primer disco.
Cuatro años más tarde de "El sargento de hierro (1986)" nos vuelve a sorprender con la independiente "Bird (1988)" una excelente obra acerca de la figura de Charlie Parker, alejándose del formato de biopic para dejar que la música, la dirección y Forrest Whitaker hagan el resto.
Con guión de John Lee Hancock, autor también de "Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997)" Eastwood se sumerge en las fuentes clásicas del cine americano en la tradición más romántica del film noir de los cuarenta. Un fuera de la ley abocado a una carrera contrarreloj hacia el abismo, mediante un viaje al interior de la América profunda; una América profunda colorista y luminosa.
Butch Haynes (Kevin Costner, que a mi juicio ofrece una de sus mejores interpretaciones) es un delincuente que ha huido de un penal de Texas. Él y su compañero de fuga toman a Terry Pugh como rehén. Terry tiene ocho años, vive con su madre, una mujer con fuertes convicciones religiosas y testigo de Jehová. La relación que se establece entre ambos bien podría ser de padre e hijo, ya que ninguno de los dos ha conocido a su padre ni ha tenido una familia tradicional. Así, durante el viaje, que será iniciático para ambos, Butch pasará a ejercer el rol del padre que nunca tuvo Terry. Ya en el inicio de la película, ambos personajes se unen mediante el montaje paralelo que hace Eastwood en la secuencias de la fuga de los dos delincuentes, con la fiesta de Hallowen del pequeño Terry. Esa unión permanecerá durante su viaje hasta el trágico,, emotivo y duro final. El viaje se convierte en una aventura de conocimiento mutuo y aprendizaje para el pequeño en el que se va trazando una auténtica relación filial, tierna y sin sensiblería.
Durante su viaje sufrirán la persecución de la policía. Uno es un veterano del cuerpo de la policía montada de Tecas, Red Garnett (Clint Eastwood), una criminóloga novata, Sally Gerber (Laura Dern), el ayudante de Garnett y un agente de la CIA experto francotirador. Unas medidas y recursos desproporcionados, según Garnett, para dar caza a un delincuente reincidente y que ha pasado la mayoría de su vida entre rejas. Para la criminóloga, Butch supone un fracaso del sistema incapaz de reinsertar a sus exconvictos. Todo ello creará conflictos entre los agentes del orden; Garnett se ve sobrepasado por las nuevas tecnologías y la burocracia. Atrás quedaron las decisiones en que se tomaban en solitario, sin ser aprobadas por burócratas y tecnócratas. Tiene una gran experiencia a sus espaldas y una eterna pugna contra las instituciones. Y varios errores también. Quizá espera encontrar el sentido a todo con una resolución menos trágica y distinta al conflicto que le ocupa.
Un mundo perfecto, con música de Lennie Niehaus con la colaboración del propio Clint, puede ser unan película sencilla; una mezcla de géneros, desde road movie, tintes de film noir, drama y algo de western, donde Eastwood le imprime una interesante reflexión y sensibilidad, excelentemente narrada y dirigida, y con la ansiada y difícil de aplicar síntesis que contienen sus imágenes, no exenta de bastante desesperanza y con esos finales contundentes y realistas marca de la casa.
Frase para recordar:
"- Sé cómo eres. Eres un buen hombre.
- No... Pero tampoco soy el peor."
Título original: A Perfect World.
Director:Clint Eastwood.
Intérpretes: Kevin Costner, Clint Eastwood, Laura Dern, T.J. Lowther, Keith Szarabajka, Leo Burmester, Paul Hewitt, Bradley Whitford.
Inspirado en la novela The Hamlet de William Faulkner y otras historias cortas, esta película acerca de los pecados paternales que marcan a los hijos es un gran ejemplo de melodrama realizado a finales de los cincuenta. La historia de un vagabundo, Ben Quick (Paul Newman), cuya imposibilidad de echar raíces pues la sombra de su padre, conocido pirómano, hace que la gente de los lugares a donde vaya terminen echándolo por temor a los siniestros, lo lleva a un pequeño pueblo del Mississipi cuya persona más rica e influyente, "Boss" Will Varner (Orson Welles), lo contrata a pesar de haber conocido a su progenitor, sin embargo sabe ver en el joven su temperamento y, sobre todo, admira su perseverancia que le recuerda a él mismo de tiempos pretéritos, así, ganándose la confianza del viejo asciende de empleado de almacén a ocupar un cargo de más importancia y muy cercano al jefe, lo que provoca los celos del heredero Jody (Tony Franciosa, aquí acreditado como Anthony) y la atracción-repulsión de su hermana Clara (Joanne Woodward), a quien su padre intentará emparejar cuando reconozca en Quick al único con la fortaleza y visión para hacerse cargo de sus empresas.
Drama situado en la América profunda realizado en una época cuando los condicionamientos morales insinuaban conductas más que mostrarlas, por ejemplo Ben destila machismo, frustración y tal resentimiento que es un candidato serio al parricidio; Jody es un ebrio pusilánime que no cumple las expectativas paternas ni conyugales pues intuimos lo poco satisfecha, maritalmente hablando, que está su esposa Eula (Lee Remick), y Clara, que desprecia a Ben por no ser de su misma clase social aunque hormonalmente se lo coma cada vez que lo vea , y en cambio, para los ojos de la sociedad pretenda entablar una relación con un amigo de su infancia Alan Stewart (Richard Anderson), quien se nos pretende mostrar como un caballero que solo puede ofrecer su incondicional amistad a la fémina pues su homosexualidad es evidente. Del mismo Will sospechamos que seguramente levantó su fortuna no tan honestamente que se diga y cuya amante, Minnie (Angela Lansbury) impresiona como la típica mujer de pasado sinuoso. Todos ellos en un pueblo chico infierno grande , como ya nos lo había mostrado Peyton Place (Mark Robson) el año anterior, y es que en un pueblo chico también las personas son pequeñas y de mente obtusa, por eso Jody al verse amenazado urdirá un plan donde el supuesto pirómano pueda ser inculpado y recuperar la confianza paterna.
Durante los años 1965 a 1966 se realizó una serie de televisión con Roy Thinnes como Ben Quick y en 1985 se hizo una película para la TV con Don Johnson, Cybill Sheperd, Jason Robards y Ava Gardner. Las dos perfectamente prescindibles.
Primer filme interpretado por la pareja Newman-Woodward, aunque ya se habían conocido previamente en New York a inicios de los 50 en el Actor’s Studio de Strasberg, no fue hasta la filmación de esta película que se enamoraron, lo que influyó mucho en la química de sus personajes así como en los cotilleos que promocionaron el largometraje. Aunque Newman ya había realizado otras interpretaciones cinematográficas, su papel como el Boxeador Rocky Grazziano, lo había convertido en una estrella en ciernes. Fama que asentaría la presente película, y fue escogido precisamente por Martin Ritt debido a su entusiasmo e insistencia (pues la primera elección parecía haber sido Brando) con un resultado bastante satisfactorio pues actor y realizador volverían a encontrarse en otros filmes importantes. La Woodward había sido nominada al Oscar durante la preproducción y no tenía idea que su papel en las 3 caras de Eva la consagraría apoyada por el Oscar. Pocos meses después de finalizado el rodaje contrajeron matrimonio y fue una de las parejas más estables de Hollywood hasta la muerte de Paul en el año 2008.
Paul Newman, uno de los mayores astros del cine, ganó la palma de oro a la mejor interpretación masculina en 1958.
Título original: The Long, Hot Summer.
Director: Martin Ritt.
Intérpretes: Paul Newman, Joanne Woodward, Orson Welles, Lee Remick, Angela Lansbury, Richard Anderson.
Trailer:
Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada
Inspirado en la novela The Hamlet de William Faulkner y otras historias cortas, esta película acerca de los pecados paternales que marcan a los hijos es un gran ejemplo de melodrama realizado a finales de los cincuenta. La historia de un vagabundo, Ben Quick (Paul Newman), cuya imposibilidad de echar raíces pues la sombra de su padre, conocido pirómano, hace que la gente de los lugares a donde vaya terminen echándolo por temor a los siniestros, lo lleva a un pequeño pueblo del Mississipi cuya persona más rica e influyente, "Boss" Will Varner (Orson Welles), lo contrata a pesar de haber conocido a su progenitor, sin embargo sabe ver en el joven su temperamento y, sobre todo, admira su perseverancia que le recuerda a él mismo de tiempos pretéritos, así, ganándose la confianza del viejo asciende de empleado de almacén a ocupar un cargo de más importancia y muy cercano al jefe, lo que provoca los celos del heredero Jody (Tony Franciosa, aquí acreditado como Anthony) y la atracción-repulsión de su hermana Clara (Joanne Woodward), a quien su padre intentará emparejar cuando reconozca en Quick al único con la fortaleza y visión para hacerse cargo de sus empresas.
Drama situado en la América profunda realizado en una época cuando los condicionamientos morales insinuaban conductas más que mostrarlas, por ejemplo Ben destila machismo, frustración y tal resentimiento que es un candidato serio al parricidio; Jody es un ebrio pusilánime que no cumple las expectativas paternas ni conyugales pues intuimos lo poco satisfecha, maritalmente hablando, que está su esposa Eula (Lee Remick), y Clara, que desprecia a Ben por no ser de su misma clase social aunque hormonalmente se lo coma cada vez que lo vea , y en cambio, para los ojos de la sociedad pretenda entablar una relación con un amigo de su infancia Alan Stewart (Richard Anderson), quien se nos pretende mostrar como un caballero que solo puede ofrecer su incondicional amistad a la fémina pues su homosexualidad es evidente. Del mismo Will sospechamos que seguramente levantó su fortuna no tan honestamente que se diga y cuya amante, Minnie (Angela Lansbury) impresiona como la típica mujer de pasado sinuoso. Todos ellos en un pueblo chico infierno grande , como ya nos lo había mostrado Peyton Place (Mark Robson) el año anterior, y es que en un pueblo chico también las personas son pequeñas y de mente obtusa, por eso Jody al verse amenazado urdirá un plan donde el supuesto pirómano pueda ser inculpado y recuperar la confianza paterna.
Durante los años 1965 a 1966 se realizó una serie de televisión con Roy Thinnes como Ben Quick y en 1985 se hizo una película para la TV con Don Johnson, Cybill Sheperd, Jason Robards y Ava Gardner. Las dos perfectamente prescindibles.
Primer filme interpretado por la pareja Newman-Woodward, aunque ya se habían conocido previamente en New York a inicios de los 50 en el Actor’s Studio de Strasberg, no fue hasta la filmación de esta película que se enamoraron, lo que influyó mucho en la química de sus personajes así como en los cotilleos que promocionaron el largometraje. Aunque Newman ya había realizado otras interpretaciones cinematográficas, su papel como el Boxeador Rocky Grazziano, lo había convertido en una estrella en ciernes. Fama que asentaría la presente película, y fue escogido precisamente por Martin Ritt debido a su entusiasmo e insistencia (pues la primera elección parecía haber sido Brando) con un resultado bastante satisfactorio pues actor y realizador volverían a encontrarse en otros filmes importantes. La Woodward había sido nominada al Oscar durante la preproducción y no tenía idea que su papel en las 3 caras de Eva la consagraría apoyada por el Oscar. Pocos meses después de finalizado el rodaje contrajeron matrimonio y fue una de las parejas más estables de Hollywood hasta la muerte de Paul en el año 2008.
Paul Newman, uno de los mayores astros del cine, ganó la palma de oro a la mejor interpretación masculina en 1958.
Título original: The Long, Hot Summer.
Director: Martin Ritt.
Intérpretes: Paul Newman, Joanne Woodward, Orson Welles, Lee Remick, Angela Lansbury, Richard Anderson.
Trailer:
Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada
Últimamente, es frecuente encontrarse con críticas de una película sin haberla visionado a fin de valorar lo acertado o desacertado de la propuesta, o, al menos, es la sensación que tengo. De hecho, se la suele poner a caldo "preventivamente" por si acaso, normalmente en función de que director o estrella esté al frente del proyecto. El caso de "La Leyenda de Tarzán" es uno de ellos, pues ha recibido muchos palos por el abuso de los efectos digitales, que, sinceramente, después de haberla visto esta noche, me parece lo habitual en cualquier superproducción hollywoodiense de la actualidad.
El imperialismo de las potencias europeas durante el XIX y su consecuente colonialismo me parece uno de los hechos más interesantes de la historia contemporánea ya que es una de las principales causas (tal vez la más importante) de los conflictos sociales, territoriales y económicos que se viven en el siglo XXI. Y es este transfondo histórico el aspecto que más me ha interesado al ver "La leyenda de Tarzán", porque lo que es la historia de John Clayton ya está muy trillada. No obstante, el film empieza bastante bien con la escena protagonizada por Cristoph Waltz y tampoco desmerece la presentación de John Clayton junto al personaje que interpreta Samuel L. Jackson. Y además cuenta con un guión incluso reflexivo para una propuesta de estas características, con un director sólido, aunque funcional, y un elenco entregado.
El "retorno del rey" a África tiene su atractivo, y su encuentro con viejos amigos, tan humanos como animales, anima el relato. Es uno de los aciertos de la propuesta, ese tono revisionista, y consigue un buen equilibrio entre drama reflexivo y film de acción/aventuras. También hay algunos flashbacks marca de fábrica para contar el origen del personaje a las nuevas generaciones, pero se agradece su brevedad y poca relevancia en la trama. Por lo demás, un elenco en el que brilla Margot Robbie y tanto Jackson como Waltz repiten sus papeles de siempre, aunque menos cargante de lo habitual en el caso del primero. "La leyenda de Tarzán" es una película fluida, que se deja ver sin bostezos ni quejas enfervorecidas. No es una obra maestra del séptimo arte, pero es entretenida, que es lo que se espera de una superproducción veraniega como ésta, para toda la familia.
Título original: The Legend of Tarzan.
Director: David Yates.
Intérpretes: Alexander Skarsgård, Margot Robbie, Christoph Waltz, Samuel L. Jackson, Djimon Hounsou, Jim Broadbent, John Hurt.
Últimamente, es frecuente encontrarse con críticas de una película sin haberla visionado a fin de valorar lo acertado o desacertado de la propuesta, o, al menos, es la sensación que tengo. De hecho, se la suele poner a caldo "preventivamente" por si acaso, normalmente en función de que director o estrella esté al frente del proyecto. El caso de "La Leyenda de Tarzán" es uno de ellos, pues ha recibido muchos palos por el abuso de los efectos digitales, que, sinceramente, después de haberla visto esta noche, me parece lo habitual en cualquier superproducción hollywoodiense de la actualidad.
El imperialismo de las potencias europeas durante el XIX y su consecuente colonialismo me parece uno de los hechos más interesantes de la historia contemporánea ya que es una de las principales causas (tal vez la más importante) de los conflictos sociales, territoriales y económicos que se viven en el siglo XXI. Y es este transfondo histórico el aspecto que más me ha interesado al ver "La leyenda de Tarzán", porque lo que es la historia de John Clayton ya está muy trillada. No obstante, el film empieza bastante bien con la escena protagonizada por Cristoph Waltz y tampoco desmerece la presentación de John Clayton junto al personaje que interpreta Samuel L. Jackson. Y además cuenta con un guión incluso reflexivo para una propuesta de estas características, con un director sólido, aunque funcional, y un elenco entregado.
El "retorno del rey" a África tiene su atractivo, y su encuentro con viejos amigos, tan humanos como animales, anima el relato. Es uno de los aciertos de la propuesta, ese tono revisionista, y consigue un buen equilibrio entre drama reflexivo y film de acción/aventuras. También hay algunos flashbacks marca de fábrica para contar el origen del personaje a las nuevas generaciones, pero se agradece su brevedad y poca relevancia en la trama. Por lo demás, un elenco en el que brilla Margot Robbie y tanto Jackson como Waltz repiten sus papeles de siempre, aunque menos cargante de lo habitual en el caso del primero. "La leyenda de Tarzán" es una película fluida, que se deja ver sin bostezos ni quejas enfervorecidas. No es una obra maestra del séptimo arte, pero es entretenida, que es lo que se espera de una superproducción veraniega como ésta, para toda la familia.
Título original: The Legend of Tarzan.
Director: David Yates.
Intérpretes: Alexander Skarsgård, Margot Robbie, Christoph Waltz, Samuel L. Jackson, Djimon Hounsou, Jim Broadbent, John Hurt.
El denso libreto de Stephen King
con "It", provocó que, lo que en un
principio iba a ser una película, se diluyese en una miniserie para la
televisión de dos capítulos, pero que si vemos de una sola vez tiene una duración
de unos 190 minutos…
El éxito de dicha miniserie-película
con su entramado en torno a la coulrofobia (miedo a los payasos), hizo que en
nuestros días se esté realizando un remake a los mandos de Andrés Muschietti
(Mamá), que se estrenará en 2017.
Stephen King con "It" recurrió de
nuevo a un grupo de niños que juntos pueden superar el miedo que les asola,
como fue en el caso de "Cuenta conmigo" y "El cazador de sueños", dejando claro
que los traumas infantiles pueden superarse si tienes unos buenos amigos a tu
alrededor, alguien que entienda los males de los demás como propios debido a la
afinidad generacional y sentimental.
El mal en esta ocasión tiene
forma de payaso, un clown con las facciones del actor Tim Curry, que cinco años
antes había sido transformado en el mismísimo diablo en la fantástica "Legend" con un maquillaje espectacular, del que hacía gala de nuevo para encarnar al
temido nariz roja de Pennywise. Curry se obsesionó de tal modo con su personaje
que cuentan que, en los descansos seguía llevando continuamente su atuendo
circense, no siendo capaz de separarse de su personaje en ningún momento.
De "It" se traduce a base de
flashbacks un terror que parecía acabado, muerto, pero que de algún modo ha
renacido y clama venganza con aquellos niños (ahora adultos) que vencieron al
terrorífico bufón especialista en asesinar niños, bajo el bonachón histrión que
aparentaba ser. Un ser demoníaco que se alimenta de los miedos y traumas
infantiles saciando su sed de sangre haciendo que "todos floten".
Lo cierto es que más de 25 años
después de que la adaptación de King fuera transmitida en la televisión con un
éxito abrumador, muchos son los que la recuerdan todavía, y no son pocos los
cineastas (la mayoría de serie B), que han tomado como referencia a ‘It-Eso’
para realizar películas con un maquillado saltimbanqui provocando pavor allá
por donde fuere….
Es tal la trascendencia del
pánico transmitido por el payaso que la coulorofobia es una enfermedad
reconocida por la ciencia, que afecta principalmente a niños, pero que puede
darse también en adultos, poniendo como ejemplos al mismísimo Tom Cruise en la
realidad o al personaje que realiza Jesse
Eisenberg en "Bienvenidos a Zombieland".
"It" aún a base de ser un
telefilme con escasos medios para la época (exceptuando la calidad el
maquillaje), es considerada una película de culto que traumatizó a toda una
generación en su niñez allá por los años 90’s, con escenas tan terroríficas
como la de las duchas en el colegio o los globos que rezuman sangre una vez
explotan.
"It" obtuvo un premio Emmy a la
mejor música y una nominación al mejor montaje, al que el que escribe hubiera
añadido el de mejor actor para Tim Curry, por encarnar a este icono del Slasher
que pronto volverá a atemoranizarnos, aunque con otro actor pintado para dar
miedo con sus bromas y risas asesinas de monstruo sobrenatural.
Director: Tommy Lee Wallace
Intérpretes: Richard
Thomas, John
Ritter, Annette
O'Toole, Harry
Anderson, Tim
Curry, Jonathan
Brandis, Brandon
Crane, Emily
Perkins, Dennis
Christopher.
El denso libreto de Stephen King
con "It", provocó que, lo que en un
principio iba a ser una película, se diluyese en una miniserie para la
televisión de dos capítulos, pero que si vemos de una sola vez tiene una duración
de unos 190 minutos…
El éxito de dicha miniserie-película
con su entramado en torno a la coulrofobia (miedo a los payasos), hizo que en
nuestros días se esté realizando un remake a los mandos de Andrés Muschietti
(Mamá), que se estrenará en 2017.
Stephen King con "It" recurrió de
nuevo a un grupo de niños que juntos pueden superar el miedo que les asola,
como fue en el caso de "Cuenta conmigo" y "El cazador de sueños", dejando claro
que los traumas infantiles pueden superarse si tienes unos buenos amigos a tu
alrededor, alguien que entienda los males de los demás como propios debido a la
afinidad generacional y sentimental.
El mal en esta ocasión tiene
forma de payaso, un clown con las facciones del actor Tim Curry, que cinco años
antes había sido transformado en el mismísimo diablo en la fantástica "Legend" con un maquillaje espectacular, del que hacía gala de nuevo para encarnar al
temido nariz roja de Pennywise. Curry se obsesionó de tal modo con su personaje
que cuentan que, en los descansos seguía llevando continuamente su atuendo
circense, no siendo capaz de separarse de su personaje en ningún momento.
De "It" se traduce a base de
flashbacks un terror que parecía acabado, muerto, pero que de algún modo ha
renacido y clama venganza con aquellos niños (ahora adultos) que vencieron al
terrorífico bufón especialista en asesinar niños, bajo el bonachón histrión que
aparentaba ser. Un ser demoníaco que se alimenta de los miedos y traumas
infantiles saciando su sed de sangre haciendo que "todos floten".
Lo cierto es que más de 25 años
después de que la adaptación de King fuera transmitida en la televisión con un
éxito abrumador, muchos son los que la recuerdan todavía, y no son pocos los
cineastas (la mayoría de serie B), que han tomado como referencia a ‘It-Eso’
para realizar películas con un maquillado saltimbanqui provocando pavor allá
por donde fuere….
Es tal la trascendencia del
pánico transmitido por el payaso que la coulorofobia es una enfermedad
reconocida por la ciencia, que afecta principalmente a niños, pero que puede
darse también en adultos, poniendo como ejemplos al mismísimo Tom Cruise en la
realidad o al personaje que realiza Jesse
Eisenberg en "Bienvenidos a Zombieland".
"It" aún a base de ser un
telefilme con escasos medios para la época (exceptuando la calidad el
maquillaje), es considerada una película de culto que traumatizó a toda una
generación en su niñez allá por los años 90’s, con escenas tan terroríficas
como la de las duchas en el colegio o los globos que rezuman sangre una vez
explotan.
"It" obtuvo un premio Emmy a la
mejor música y una nominación al mejor montaje, al que el que escribe hubiera
añadido el de mejor actor para Tim Curry, por encarnar a este icono del Slasher
que pronto volverá a atemoranizarnos, aunque con otro actor pintado para dar
miedo con sus bromas y risas asesinas de monstruo sobrenatural.
Director: Tommy Lee Wallace
Intérpretes: Richard
Thomas, John
Ritter, Annette
O'Toole, Harry
Anderson, Tim
Curry, Jonathan
Brandis, Brandon
Crane, Emily
Perkins, Dennis
Christopher.
En 1981 Montxo Armendáriz rueda su tercer cortometraje "Carboneros de Navarra", un documental de escaso presupuesto realizado por un equipo de solo cuatro personas en las Sierras de Navarra sobre un oficio casi extinto a día de hoy, el de la elaboración de carbón vegetal por medios artesanales. De dicho documental extraerá Armendáriz la idea para su ópera prima y una de sus mejores películas, "Tasio",centrándose en la figura de uno de los protagonistas, Anastasio Ochoa Ruiz, carbonero,cazador y hombre libre que falleció en 1989 en el monte de Valderrota, completamente solo como él querría en perfecta simbiosis con la naturaleza y en el lugar que le había dado todo lo necesario para sobrevivir.
Realizada dentro de la factoría de Elías Querejeta, al igual que todas las películas de Armendáriz hasta su emancipación en 1997 con "Secretos del corazón", "Tasio" se abre con una magnífica panorámica circular que nos muestra la majestuosidad de las sierras de Tierra Estella, como las de Urbasa o Lóquiz, donde está rodado el film con la participación de sus aldeanos como extras o incluso en pequeños papeles para darle a la película aún más realismo. La panorámica se cierra justo cuando el humo y las llamas de una carbonera le arrebatan el protagonismo al paisaje y vemos al padre de Tasio (Enrique Goicoechea) llevarse la carga de carbón con la ayuda de una mula. En su trayecto por el bosque aprovecha para ir recogiendo las piezas de caza que han caído en las trampas que previamente había colocado. La piel de los tejones, que posteriormente venderá, una liebre que se le cruce en el camino o las truchas del río son complementos indispensables para el sustento de su familial que a duras penas logra sobrevivir con la producción de carbón. La caza furtiva, mucho antes de existir las licencias o los guardabosques, era el modo de vida de estas gentes del monte, con el debido respeto a la naturaleza que les da lo necesario para subsistir, tal y como le cuenta Tasio de niño (Garikoitz Mendigutxia) a su padre,cuando le dice que solo ha cogido la mitad de las crías de un nido de pájaros y éste le responde ; "Como debe ser, que cogerlas todas, no está ni medio bien."
Evidentemente ,este ancestral modo de vida se encontrará directamente con los poderes del estado, ya sea con la Guardia Civil, que obligará a firmar una denuncia, mediante métodos mas que sospechosos a un Tasio ya adulto (Patxi Bisquert),o con la Iglesia, como cuando el párroco de la aldea (Miguel Ángel Rellán) agarra con violencia y por las orejas a Tasio de niño para recriminarle que nunca asiste a misa, al mismo tiempo que le dedica adjetivos como "mala hierba","gitano" o "bestia salvaje". La libertad que proporciona a Tasio trabajar en soledad en la carbonera (lo que conlleva grandes riesgos para su integridad física como veremos en una secuencia del film) o perderse por el bosque cazando, son el detonante para elegir ese modo de vida, pero también veremos que hay factores sociales externos que llevan al protagonista a la decisión de permanecer a toda costa en el mundo rural, como es el caso de la escena en la que Tasio y su hermano (Nacho Martínez) después de transportar y descargar una gran cantidad de sacos de grano reciben una miseria por su trabajo y no obtienen lo que le piden a su acomodado patrón.
Desde muy joven y después de haber visto trabajar a su padre infinidad de veces, se encargará de la carbonera, tomando las precauciones necesarias para subir encima del humeante montículo de restos vegetales y así evitar accidentes como el que le ocurre a un vecino de la aldea,en el que perderá a su hijo tras los esfuerzos en balde de Tasio por rescatarlo de las llamas.La tragedia también entrará en la vida de nuestro carbonero, que si bien ha logrado formar una familia con Paulina (Amaia Lasa), una joven del pueblo a la que conocerá de adolescente en un baile para reencontrarse con ella en el mismo escenario pero ya en la edad adulta, ésta no tardará en contraer una enfermedad que acabará con su vida debido a la escasa atención sanitaria en el entorno rural.
La espléndida fotografía de Jose Luís Alcaine, al igual que en otros grandes clásicos del cine español dentro de la factoría Querejeta, nos mostrará el monte navarro en todo su esplendor y Armendáriz no pudo empezar de manera mas esperanzadora su carrera en el cine patrio.El director de "Historias del Kronen (1995)" nos propone como es habitual en él un cine que apuesta por la recuperación de la memoria histórica, con grandes dosis de realismo y denuncia social.
Director: Montxo Armendáriz.
Intérpretes: Patxi
Bisquert, Amaia
Lasa, Isidro
José Lozano, Nacho
Martínez, José
María Asín.
En 1981 Montxo Armendáriz rueda su tercer cortometraje "Carboneros de Navarra", un documental de escaso presupuesto realizado por un equipo de solo cuatro personas en las Sierras de Navarra sobre un oficio casi extinto a día de hoy, el de la elaboración de carbón vegetal por medios artesanales. De dicho documental extraerá Armendáriz la idea para su ópera prima y una de sus mejores películas, "Tasio",centrándose en la figura de uno de los protagonistas, Anastasio Ochoa Ruiz, carbonero,cazador y hombre libre que falleció en 1989 en el monte de Valderrota, completamente solo como él querría en perfecta simbiosis con la naturaleza y en el lugar que le había dado todo lo necesario para sobrevivir.
Realizada dentro de la factoría de Elías Querejeta, al igual que todas las películas de Armendáriz hasta su emancipación en 1997 con "Secretos del corazón", "Tasio" se abre con una magnífica panorámica circular que nos muestra la majestuosidad de las sierras de Tierra Estella, como las de Urbasa o Lóquiz, donde está rodado el film con la participación de sus aldeanos como extras o incluso en pequeños papeles para darle a la película aún más realismo. La panorámica se cierra justo cuando el humo y las llamas de una carbonera le arrebatan el protagonismo al paisaje y vemos al padre de Tasio (Enrique Goicoechea) llevarse la carga de carbón con la ayuda de una mula. En su trayecto por el bosque aprovecha para ir recogiendo las piezas de caza que han caído en las trampas que previamente había colocado. La piel de los tejones, que posteriormente venderá, una liebre que se le cruce en el camino o las truchas del río son complementos indispensables para el sustento de su familial que a duras penas logra sobrevivir con la producción de carbón. La caza furtiva, mucho antes de existir las licencias o los guardabosques, era el modo de vida de estas gentes del monte, con el debido respeto a la naturaleza que les da lo necesario para subsistir, tal y como le cuenta Tasio de niño (Garikoitz Mendigutxia) a su padre,cuando le dice que solo ha cogido la mitad de las crías de un nido de pájaros y éste le responde ; "Como debe ser, que cogerlas todas, no está ni medio bien."
Evidentemente ,este ancestral modo de vida se encontrará directamente con los poderes del estado, ya sea con la Guardia Civil, que obligará a firmar una denuncia, mediante métodos mas que sospechosos a un Tasio ya adulto (Patxi Bisquert),o con la Iglesia, como cuando el párroco de la aldea (Miguel Ángel Rellán) agarra con violencia y por las orejas a Tasio de niño para recriminarle que nunca asiste a misa, al mismo tiempo que le dedica adjetivos como "mala hierba","gitano" o "bestia salvaje". La libertad que proporciona a Tasio trabajar en soledad en la carbonera (lo que conlleva grandes riesgos para su integridad física como veremos en una secuencia del film) o perderse por el bosque cazando, son el detonante para elegir ese modo de vida, pero también veremos que hay factores sociales externos que llevan al protagonista a la decisión de permanecer a toda costa en el mundo rural, como es el caso de la escena en la que Tasio y su hermano (Nacho Martínez) después de transportar y descargar una gran cantidad de sacos de grano reciben una miseria por su trabajo y no obtienen lo que le piden a su acomodado patrón.
Desde muy joven y después de haber visto trabajar a su padre infinidad de veces, se encargará de la carbonera, tomando las precauciones necesarias para subir encima del humeante montículo de restos vegetales y así evitar accidentes como el que le ocurre a un vecino de la aldea,en el que perderá a su hijo tras los esfuerzos en balde de Tasio por rescatarlo de las llamas.La tragedia también entrará en la vida de nuestro carbonero, que si bien ha logrado formar una familia con Paulina (Amaia Lasa), una joven del pueblo a la que conocerá de adolescente en un baile para reencontrarse con ella en el mismo escenario pero ya en la edad adulta, ésta no tardará en contraer una enfermedad que acabará con su vida debido a la escasa atención sanitaria en el entorno rural.
La espléndida fotografía de Jose Luís Alcaine, al igual que en otros grandes clásicos del cine español dentro de la factoría Querejeta, nos mostrará el monte navarro en todo su esplendor y Armendáriz no pudo empezar de manera mas esperanzadora su carrera en el cine patrio.El director de "Historias del Kronen (1995)" nos propone como es habitual en él un cine que apuesta por la recuperación de la memoria histórica, con grandes dosis de realismo y denuncia social.
Director: Montxo Armendáriz.
Intérpretes: Patxi
Bisquert, Amaia
Lasa, Isidro
José Lozano, Nacho
Martínez, José
María Asín.
Indiana Jones a estas alturas es
sinónimo de aventura, de emoción, de diversión y por supuesto, de historia. Una
historia parida por George Lucas y moldeada por Lawrence Kasdan, saboreando todavía
las mieles dejadas por "El Imperio Contraataca (1980)", dando a Harrison Ford un
personaje que lo ha llevado al olimpo de los héroes del cine por antonomasia.
Steven Spielberg utilizando en su
protagonista algo de la estética del Charlton Heston de "El Tesoro de los
Incas (1954)", materializó su sueño de impregnar su cine con un heroico
personaje tomando como referencia a galanes del cine clásico como Cary Grant,
el mencionado Charlton Heston, y al que él le dejó una huella imborrable, el
James Bond de Sean Connery en "Goldfinger (1964)", absorbiendo cantidad de historias
pulp, para darnos a un famoso arqueólogo en busca de unos de los mayores
expedientes X de toda la historia de la humanidad, el encuentro del arca de la
alianza en cuyo interior residen las tablas de la ley de Dios a través de los
10 mandamientos, esculpidas por el dedo divino en el monte Sinaí y no en el
monte Horeb como apunta el doctor Jones…
La originalidad de "The Raiders
of the lost ark" (título de la primera aventura de Jones), es una maravillosa
mezcolanza que incluye, aventura, arqueología, acción a raudales y la que será
una constante en la filmografía de Spielberg, el desprecio por los nazis y por
el tercer Reich, utilizando la obsesión de éste por el ocultismo (obsesión
verídica, ya que a Hitler le apasionaba todo aquello que tuviera que ver con la
parapsicología aplicada a su afán de triunfo por conquistar el mundo).
Un sombrero, una chupa de curtido
cuero, una camisa sudada y polvorienta, un revólver y un látigo son los
complementos con los que Harrison Ford a base de un sobrado carisma ha
conseguido llegar a todos los corazones de los amantes de las buenas aventuras
en el cine, unas aventuras que han tenido una continuidad gracias a la primera
aventura del considerado adalid, paladín en hazañas en el séptimo arte, y que
al parecer pronto tendrán una quinta aventura, teniendo Ford la friolera de 75
años cuando se enfunde de nuevo en su icónico personaje.
La dirección de Spielberg, la
historia de Kasdan y Lucas, la portentosa música de John Williams, la
fotografía de Douglas Slocombe, la interpretación de Ford, Karen Allen y demás
reparto del film, hicieron de "Indiana Jones en busca del arca perdida" un
clásico del cine que obtuvo 8 nominaciones al Oscar, ganando 5 de ellos en
categorías como efectos especiales, dirección artística y sonido. Todo un
triunfo de Spielberg que dejaba clara su sapiencia para el montaje, los
encuadres y las escenas de acción maravillosamente coreografiadas, que nos
dejan escenas para el recuerdo: El principio con la gran bola persiguiendo a
Jones con el ídolo dorado en las manos, la escenificación de los viajes en
avión con una línea roja que atraviesa distintas zonas del mundo en un mapa, la
pelea en el Nepal en el bar de Marion, las persecuciones en El Cairo, el
hallazgo del pozo de almas en Thanis, el enfrentamiento con el gigantesco nazi
calvo y cómo no, ese desenlace espectacular cuando se desata la furia divina
del antiguo testamento al ser abierta el arca de la alianza.Todo para acabar
con el enigma en una gran sala llena de cajas como la que ahora envuelve el
arca entre un innumerable número de secretos del gobierno.
Como anécdota, una que me parece
muy curiosa, lo que iba a ser una gran pelea entre Jones y uno de sus enemigos
en un mercado armado con una gigantesca cimitarra, se saldó debido a la breve
enfermedad que tuvo Ford, con un simple disparo, después de la exhibición
esgrimística de su rival para no prolongar la escena que estaba alargando el
padecimiento de Harrison Ford, y que curiosamente contribuyó al humor de la
película.
En definitiva, la primera de las
4 aventuras de Indy por ahora, y que no deja de alargar la sombra del relieve
de la figura de Indiana Jones precedido de la inmortal banda sonora del
majestuoso John Williams.
Título original: Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark.
Director: Steven Spielberg.
Intérpretes: Harrison
Ford, Karen
Allen, Paul
Freeman, Ronald
Lacey, John
Rhys-Davies, Vic
Tablian, Denholm
Elliott, Wolf
Kahler, Alfred
Molina.
Indiana Jones a estas alturas es
sinónimo de aventura, de emoción, de diversión y por supuesto, de historia. Una
historia parida por George Lucas y moldeada por Lawrence Kasdan, saboreando todavía
las mieles dejadas por "El Imperio Contraataca (1980)", dando a Harrison Ford un
personaje que lo ha llevado al olimpo de los héroes del cine por antonomasia.
Steven Spielberg utilizando en su
protagonista algo de la estética del Charlton Heston de "El Tesoro de los
Incas (1954)", materializó su sueño de impregnar su cine con un heroico
personaje tomando como referencia a galanes del cine clásico como Cary Grant,
el mencionado Charlton Heston, y al que él le dejó una huella imborrable, el
James Bond de Sean Connery en "Goldfinger (1964)", absorbiendo cantidad de historias
pulp, para darnos a un famoso arqueólogo en busca de unos de los mayores
expedientes X de toda la historia de la humanidad, el encuentro del arca de la
alianza en cuyo interior residen las tablas de la ley de Dios a través de los
10 mandamientos, esculpidas por el dedo divino en el monte Sinaí y no en el
monte Horeb como apunta el doctor Jones…
La originalidad de "The Raiders
of the lost ark" (título de la primera aventura de Jones), es una maravillosa
mezcolanza que incluye, aventura, arqueología, acción a raudales y la que será
una constante en la filmografía de Spielberg, el desprecio por los nazis y por
el tercer Reich, utilizando la obsesión de éste por el ocultismo (obsesión
verídica, ya que a Hitler le apasionaba todo aquello que tuviera que ver con la
parapsicología aplicada a su afán de triunfo por conquistar el mundo).
Un sombrero, una chupa de curtido
cuero, una camisa sudada y polvorienta, un revólver y un látigo son los
complementos con los que Harrison Ford a base de un sobrado carisma ha
conseguido llegar a todos los corazones de los amantes de las buenas aventuras
en el cine, unas aventuras que han tenido una continuidad gracias a la primera
aventura del considerado adalid, paladín en hazañas en el séptimo arte, y que
al parecer pronto tendrán una quinta aventura, teniendo Ford la friolera de 75
años cuando se enfunde de nuevo en su icónico personaje.
La dirección de Spielberg, la
historia de Kasdan y Lucas, la portentosa música de John Williams, la
fotografía de Douglas Slocombe, la interpretación de Ford, Karen Allen y demás
reparto del film, hicieron de "Indiana Jones en busca del arca perdida" un
clásico del cine que obtuvo 8 nominaciones al Oscar, ganando 5 de ellos en
categorías como efectos especiales, dirección artística y sonido. Todo un
triunfo de Spielberg que dejaba clara su sapiencia para el montaje, los
encuadres y las escenas de acción maravillosamente coreografiadas, que nos
dejan escenas para el recuerdo: El principio con la gran bola persiguiendo a
Jones con el ídolo dorado en las manos, la escenificación de los viajes en
avión con una línea roja que atraviesa distintas zonas del mundo en un mapa, la
pelea en el Nepal en el bar de Marion, las persecuciones en El Cairo, el
hallazgo del pozo de almas en Thanis, el enfrentamiento con el gigantesco nazi
calvo y cómo no, ese desenlace espectacular cuando se desata la furia divina
del antiguo testamento al ser abierta el arca de la alianza.Todo para acabar
con el enigma en una gran sala llena de cajas como la que ahora envuelve el
arca entre un innumerable número de secretos del gobierno.
Como anécdota, una que me parece
muy curiosa, lo que iba a ser una gran pelea entre Jones y uno de sus enemigos
en un mercado armado con una gigantesca cimitarra, se saldó debido a la breve
enfermedad que tuvo Ford, con un simple disparo, después de la exhibición
esgrimística de su rival para no prolongar la escena que estaba alargando el
padecimiento de Harrison Ford, y que curiosamente contribuyó al humor de la
película.
En definitiva, la primera de las
4 aventuras de Indy por ahora, y que no deja de alargar la sombra del relieve
de la figura de Indiana Jones precedido de la inmortal banda sonora del
majestuoso John Williams.
Título original: Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark.
Director: Steven Spielberg.
Intérpretes: Harrison
Ford, Karen
Allen, Paul
Freeman, Ronald
Lacey, John
Rhys-Davies, Vic
Tablian, Denholm
Elliott, Wolf
Kahler, Alfred
Molina.
El director armenio nominado al Oscar; Atom Egoyan, logró con Remember un estreno limitado en Cines españoles –de la mano de Vértigo Films- de igual manera que con Cautivos –protagonizada por Ryan Reynolds- gracias al crédito de dicha nominación. En ambas narraba una búsqueda con protagonistas obsesionados con dar con la verdad. En Remember el octogenario actor británico Christopher Plummer da vida al Señor Goodman, conocido por su nombre judío de Zev, que significa Lobo. Con graves problemas de senilidad, Zev acaba de perder uno de los lazos que le hacían vivir con más fuerza, su esposa Ruth, tras enterrarla, deberá de cumplir la promesa que le hizo a uno de sus compañeros de asilo, superviviente del exterminio nazi en Auschwitz Max (Martin Landau) quien le hizo jurar que una vez Ruth muriera, haría justicia con uno de los últimos nazis vivos más importantes que logro huir usando el nombre de un judío; Ruddy Kurlander. El problema para Zev vendrá cuando- una vez logre salir de la residencia, y comprar un arma- tenga que visitar a los cuatro Ruddy Kurlander que tiene en su lista, sin saber hasta que se encuentre delante de ellos quien de todos es el asesino de su familia y la de Max.
Apoyado en el surcado rostro por las arrugas de una larga vida de su actor principal, un inmenso Christopher Plummer, Egoyan logra un drama real y profundamente sentido sobre la búsqueda; la búsqueda de la justicia, la verdad, el descanso y los recuerdos, en donde el espectador acompaña el protagonista, un anciano con cada vez mayores problemas de memoria, quien se ayuda de sus limitaciones para lograr sus propósitos, Remember no es una gran ejercicio estilístico, es simple y tremendamente efectivo, casi documental, aunque con sus licencias propias del cine de género. Egoyan opta por situar la cámara a modo de acompañamiento, siguiendo el paso cansado de Zev (Plummer) en su obsesivo camino en busca de la muerte, figura que representa el tal Kurlander, quien acabara revelándose de la forma más inesperada. El segundo en importancia vendría a ser Martin Landau, en silla de ruedas, y con respiración asistidita, su Max es un buscador de nazis, que ya no puede llevar a cabo su trabajo por sí mismo, y que delega en Zev para una última misión, a quien manipula en la distancia, y de cerca, con una carta que le entrega a la que le remite cada vez que pierda la noción de donde esta: ojo a los estremecedores momentos en donde Zev despierta llamando a su difunta esposa Ruth, totalmente desorientado, y lee de nuevo sus notas, para descubrir, cada vez, como si fuera la primera que ella no está, y ya no volverá.
En el film harán acto de aparición Bruno Ganz, Jurgen Prochnow (ambos dificilmente reconocibles por el maquillaje), Dean Norris o Henry Czerny. Uno de los Kurlander tendrá un parecido, al mitiquísimo dentista de Sir Laurence Olivier en Marathon man, un guiño al personaje real que existió, exterminador de hombre, mujeres y niños, y al propio cine que se permite Egoyan aun a riesgo de una caracterización ciertamente forzada por parte del actor elegido. La fuerza de Remember reside en la vulnerabilidad de su eje principal que vivirá su punto álgido cuando se tope con el personaje de Dean Norris, un tipo que pone muy nervioso ya desde que se le ve bajar del coche, más aún cuando se descubre quien es y lo que representa hoy día. Uno de los grandes aciertos del film, es el no esperar de ella una más de Egoyan, o un ejercicio de lagrima fácil, sino un viaje que se irá tornando cada vez más desesperanzado y terrible, en donde un hombre, ya en la cuenta final de sus días lucha por recordar, cuando quizá lo mejor para él hubiese sido olvidar. Plummer, lejos ya de su esplendor físico en los años 60 y 70, opta por un personaje en su crepúsculo en la línea de los Clint Eastwood de Gran Torino, Michael Caine en Harry Brown –o en la muy rescatable La sentencia, también con temática similar a Remember- y opta por amoldarse a sus limitaciones actuales, para sacarle todo el potencial a su personaje, quien dice más en una sola mirada que cientos de actores actúales en miles de páginas. Es pues el formato físico un gran momento para reivindicar Remember como un film digno de ser recordado en el curso cinematográfico 2016, ya que como las grandes películas, logra que tras su visionado uno la guarde en su memoria durante un largo tiempo antes de partir hacia el pantano azul.
Director: Atom Egoyan.
Intérpretes: Christopher Plummer, Martin Landau, Bruno Ganz, Henry Czerny, Dean Norris, Heinz Lieven, Kim Roberts, James Cade, Jurgen Prochnow, Sofia Wells.
El director armenio nominado al Oscar; Atom Egoyan, logró con Remember un estreno limitado en Cines españoles –de la mano de Vértigo Films- de igual manera que con Cautivos –protagonizada por Ryan Reynolds- gracias al crédito de dicha nominación. En ambas narraba una búsqueda con protagonistas obsesionados con dar con la verdad. En Remember el octogenario actor británico Christopher Plummer da vida al Señor Goodman, conocido por su nombre judío de Zev, que significa Lobo. Con graves problemas de senilidad, Zev acaba de perder uno de los lazos que le hacían vivir con más fuerza, su esposa Ruth, tras enterrarla, deberá de cumplir la promesa que le hizo a uno de sus compañeros de asilo, superviviente del exterminio nazi en Auschwitz Max (Martin Landau) quien le hizo jurar que una vez Ruth muriera, haría justicia con uno de los últimos nazis vivos más importantes que logro huir usando el nombre de un judío; Ruddy Kurlander. El problema para Zev vendrá cuando- una vez logre salir de la residencia, y comprar un arma- tenga que visitar a los cuatro Ruddy Kurlander que tiene en su lista, sin saber hasta que se encuentre delante de ellos quien de todos es el asesino de su familia y la de Max.
Apoyado en el surcado rostro por las arrugas de una larga vida de su actor principal, un inmenso Christopher Plummer, Egoyan logra un drama real y profundamente sentido sobre la búsqueda; la búsqueda de la justicia, la verdad, el descanso y los recuerdos, en donde el espectador acompaña el protagonista, un anciano con cada vez mayores problemas de memoria, quien se ayuda de sus limitaciones para lograr sus propósitos, Remember no es una gran ejercicio estilístico, es simple y tremendamente efectivo, casi documental, aunque con sus licencias propias del cine de género. Egoyan opta por situar la cámara a modo de acompañamiento, siguiendo el paso cansado de Zev (Plummer) en su obsesivo camino en busca de la muerte, figura que representa el tal Kurlander, quien acabara revelándose de la forma más inesperada. El segundo en importancia vendría a ser Martin Landau, en silla de ruedas, y con respiración asistidita, su Max es un buscador de nazis, que ya no puede llevar a cabo su trabajo por sí mismo, y que delega en Zev para una última misión, a quien manipula en la distancia, y de cerca, con una carta que le entrega a la que le remite cada vez que pierda la noción de donde esta: ojo a los estremecedores momentos en donde Zev despierta llamando a su difunta esposa Ruth, totalmente desorientado, y lee de nuevo sus notas, para descubrir, cada vez, como si fuera la primera que ella no está, y ya no volverá.
En el film harán acto de aparición Bruno Ganz, Jurgen Prochnow (ambos dificilmente reconocibles por el maquillaje), Dean Norris o Henry Czerny. Uno de los Kurlander tendrá un parecido, al mitiquísimo dentista de Sir Laurence Olivier en Marathon man, un guiño al personaje real que existió, exterminador de hombre, mujeres y niños, y al propio cine que se permite Egoyan aun a riesgo de una caracterización ciertamente forzada por parte del actor elegido. La fuerza de Remember reside en la vulnerabilidad de su eje principal que vivirá su punto álgido cuando se tope con el personaje de Dean Norris, un tipo que pone muy nervioso ya desde que se le ve bajar del coche, más aún cuando se descubre quien es y lo que representa hoy día. Uno de los grandes aciertos del film, es el no esperar de ella una más de Egoyan, o un ejercicio de lagrima fácil, sino un viaje que se irá tornando cada vez más desesperanzado y terrible, en donde un hombre, ya en la cuenta final de sus días lucha por recordar, cuando quizá lo mejor para él hubiese sido olvidar. Plummer, lejos ya de su esplendor físico en los años 60 y 70, opta por un personaje en su crepúsculo en la línea de los Clint Eastwood de Gran Torino, Michael Caine en Harry Brown –o en la muy rescatable La sentencia, también con temática similar a Remember- y opta por amoldarse a sus limitaciones actuales, para sacarle todo el potencial a su personaje, quien dice más en una sola mirada que cientos de actores actúales en miles de páginas. Es pues el formato físico un gran momento para reivindicar Remember como un film digno de ser recordado en el curso cinematográfico 2016, ya que como las grandes películas, logra que tras su visionado uno la guarde en su memoria durante un largo tiempo antes de partir hacia el pantano azul.
Director: Atom Egoyan.
Intérpretes: Christopher Plummer, Martin Landau, Bruno Ganz, Henry Czerny, Dean Norris, Heinz Lieven, Kim Roberts, James Cade, Jurgen Prochnow, Sofia Wells.
Suele decirse que la realidad siempre supera a la ficción y qué mejor ejemplo que este particular suceso que aconteció en una calurosa tarde de 1972.
Se trata de un relato complejo e interesante donde se describen todo un abanico de acontecimientos, tanto desde la perspectiva social e histórica del momento, como desde el punto de vista individual de un sujeto que representa y ejemplifica el cambio social que se está viviendo en las calles. La década de los setenta en EEUU fue una época de transición, a menudo muy marcada por la confusión, la frustración y una marcada sensación de que América había perdido su orientación y su prometedor rumbo del pasado. Los estadounidenses, que hasta entonces habían creído en el sueño americano, en que el esfuerzo individual era capaz de lograr la promoción de todos y, al mismo tiempo hacer prosperar al conjunto de una sociedad, comienzan a desilusionarse.
A comienzos de los años setenta, los Estados Unidos experimentaron una profunda transformación económica, en el mismo momento en que se desencadenaba la crisis que contribuyó a que apareciera esa nueva clase de pobres. El gasto provocado por la Guerra de Vietnam, unido a la voluntad de mantener las conquistas sociales, produjo un cambio fundamental cuyas consecuencias multiplicaron la crisis por la elevación del precio del crudo petrolífero.
"Podéis llamarme El perro. Ese es mi apodo". Así se presentaba siempre John S. Wojtowicz, el hombre que el 22 de agosto de 1972 entró armado en una sucursal del Chase Manhattan Bank en el barrio neoyorquino de Brooklyn acompañado por dos cómplices. El atraco fue un fracaso. La policía rodeó inmediatamente la oficina bancaria y la zona se llenó de curiosos y de medios de comunicación.
El póster de la película describe la película con las siguientes frases: "El atraco tenía que haber durado diez minutos. Cuatro horas más tarde el banco era un circo. Ocho horas más tarde era la emisión en directo más importante de la televisión. Doce horas más tarde era historia. Y todo es completamente real".
Sonny Wortzik (Al Pacino), es un neoyorkino de Brooklyn, sin experiencia en atracos que decide inesperadamente dar el golpe a una pequeña sucursal bancaria ayudado por dos amigos. Entran en el banco a cara descubierta y con las armas en la mano, por lo que el más joven del grupo se arrepiente y abandona el atraco incluso antes de que éste pueda llevarse a cabo. Wortzik queda solo con su amigo Salvatore Naturile, Sal, (John Cazale). Como si la buena fortuna hubiera decidido a abandonar a estos dos personajes, las complicaciones van sucediéndose de forma cada vez más inesperada y absurda: la caja fuerte no tiene tanto dinero como esperaban y mientras intentan llevarse el poco dinero de la sucursal, el perfeccionismo de Wortzik al intentar quemar unos documentos que los incriminen, se convierte en su peor enemigo, al ser el detonante que alerta a la policía de que el banco está siendo atracado.
Al carecer de un estructurado plan logístico, los actos de ambos atracadores se convierten en una concatenación de actos improvisados, más determinados por sus errores que por la finalidad de conseguir el dinero. Mientras piensan cómo poder abandonar el banco, ya están rodeados por un centenar de policías, acusados de secuestrar a un grupo de trabajadores, los cuales observan expectantes los extravagantes acontecimientos.
La policía, el FBI, los medios periodísticos y miles de curiosos se arremolinan en torno al banco: El espectáculo está servido para los medios de Comunicación y Sonny comienza a revelar gradualmente cuáles son los curiosos motivos que lo han obligado a realizar un acto delictivo, sin tener intención de hacer daño a nadie realmente. Los rehenes del banco comienzan a simpatizar con Sonny, y él inicia las negociaciones con el policía Eugene Moretti (Charles Durning), que pronto es reemplazado por el agente del FBI, Sheldon (James Broderick).
El relato cambia radicalmente de rumbo en el momento en que Sonny debe salir a la calle para hablar con la policía. Su discurso arenga a todos los curiosos que por allí pasan, los cuales terminen por simpatizar más con el delincuente que con la policía encargada de mantener el orden público. La narración cambia de ritmo y se bifurca en torno a dos grandes temas: Lo que sucede fuera del banco, a modo de retrato social de la época, donde las manifestaciones pacifistas y las pancartas manifiestan el apoyo a los secuestradores y se rebelan contra los poderes públicos, contra las figuras de autoridad representadas por los antidisturbios, frente a una trama más intimista, la que nos va contando la vida de este peculiar personaje.
El guión fue adaptado por Frank Pierson, basado tanto en los artículos periodísticos de P.F. Kluge y Thomas Moore, como en el libro escrito por Leslie Waller.
Sidney Lumet nos regala una magistral dirección de actores. Una de las mejores interpretaciones de Al Pacino junto al siempre brillante y discreto John Cazale constituyen el alma del relato. Ambos actores le dan la fuerza y el carisma necesario a estos dos personajes para que puedan convertirse en héroes populares en vez de dos freakies fracasados.
La tensión narrativa es impecable, así como el manejo del tiempo fílmico, imprescindibles para transformar los elementos de un melodrama en un auténtico thriller, donde la acción siempre está contenida, pendiente de estallar, como la tensión a la que se ven sometidos nuestros ladrones protagonistas, no sólo durante el atraco, sino durante el relato que nos desvelando toda su vida.
La fotografía de Victor J. Kemper se encarga tanto de enmarcar unos excelentes primeros planos del dueto protagonista como de ofrecernos magníficas panorámicas a vista de pájaro de lo que está sucediendo en las calles que rodean al banco. La imagen, perfectamente acoplada al guion se encarga de remarcar esa diversificación del relato desde su perspectiva social y desde su visión más intimista de un singular personaje.
John S. Wojtowicz, el personaje real que vivió tras aquel suceso, fue localizado por los cineastas Allison Berg y Frank Keraudren, los cuales comenzaron a interesarse por este personaje después de ver una tarde la película de Sidney Lumet. Consiguieron localizar a Wojtowicz en 2002, cuando ya había cumplido la pena de cárcel por el atraco que cometió, y decidieron rodar un documental sobre su historia. En aquellos años, sus amigos y conocidos le llamaban, The Dog, el perro, en homenaje al título original del film que había recreado su intento de robo, Dog Day Afternoon.
A lo largo del documental, gracias a testimonios de amigos y familiares como su primera esposa Carmen Bifulco, de su madre y de la que fue su pareja, Ernest Aron, vamos descubriendo la compleja personalidad de este hombre que fue compromisario del Partido Republicano, soldado en Vietnam y, más tarde, activista en defensa de los derechos de gays y lesbianas. En un momento de la película él mismo se define como un adicto al sexo. "No fumo ni bebo. Tampoco tomo drogas ni soy un jugador. Soy un ángel", bromea. "Me considero un romántico. Cuando conocí a Ernie fue un flechazo. Y por eso, como la quería tanto, hice lo que hice aquel 22 de agosto de 1972".
También se recuerdan los entresijos y los preparativos de ese sorprendente robo. "Antes de ir al banco, fuimos a la calle 42 a ver El Padrino”, explica Wojtowicz.
Mientras se rodaba El documental "The Dog", John Wojtowicz enfermó de cáncer y finalmente falleció en 2006. Los cineastas tardaron más de una década en poder completar el documental.
Es la amarga crónica de un personaje inclasificable, a veces tierno, otras divertido y en ocasiones patético, que saltó a la fama por un frustrado atraco y que se convirtió en carne fresca para la prensa más sensacionalista.
Título original: Dog Day Afternoon.
Director: Sidney Lumet.
Intérpretes: Al
Pacino, John
Cazale, Charles
Durning, Carol
Kane, Chris
Sarandon, Sully
Boyar, Penelope
Allen.
Suele decirse que la realidad siempre supera a la ficción y qué mejor ejemplo que este particular suceso que aconteció en una calurosa tarde de 1972.
Se trata de un relato complejo e interesante donde se describen todo un abanico de acontecimientos, tanto desde la perspectiva social e histórica del momento, como desde el punto de vista individual de un sujeto que representa y ejemplifica el cambio social que se está viviendo en las calles. La década de los setenta en EEUU fue una época de transición, a menudo muy marcada por la confusión, la frustración y una marcada sensación de que América había perdido su orientación y su prometedor rumbo del pasado. Los estadounidenses, que hasta entonces habían creído en el sueño americano, en que el esfuerzo individual era capaz de lograr la promoción de todos y, al mismo tiempo hacer prosperar al conjunto de una sociedad, comienzan a desilusionarse.
A comienzos de los años setenta, los Estados Unidos experimentaron una profunda transformación económica, en el mismo momento en que se desencadenaba la crisis que contribuyó a que apareciera esa nueva clase de pobres. El gasto provocado por la Guerra de Vietnam, unido a la voluntad de mantener las conquistas sociales, produjo un cambio fundamental cuyas consecuencias multiplicaron la crisis por la elevación del precio del crudo petrolífero.
"Podéis llamarme El perro. Ese es mi apodo". Así se presentaba siempre John S. Wojtowicz, el hombre que el 22 de agosto de 1972 entró armado en una sucursal del Chase Manhattan Bank en el barrio neoyorquino de Brooklyn acompañado por dos cómplices. El atraco fue un fracaso. La policía rodeó inmediatamente la oficina bancaria y la zona se llenó de curiosos y de medios de comunicación.
El póster de la película describe la película con las siguientes frases: "El atraco tenía que haber durado diez minutos. Cuatro horas más tarde el banco era un circo. Ocho horas más tarde era la emisión en directo más importante de la televisión. Doce horas más tarde era historia. Y todo es completamente real".
Sonny Wortzik (Al Pacino), es un neoyorkino de Brooklyn, sin experiencia en atracos que decide inesperadamente dar el golpe a una pequeña sucursal bancaria ayudado por dos amigos. Entran en el banco a cara descubierta y con las armas en la mano, por lo que el más joven del grupo se arrepiente y abandona el atraco incluso antes de que éste pueda llevarse a cabo. Wortzik queda solo con su amigo Salvatore Naturile, Sal, (John Cazale). Como si la buena fortuna hubiera decidido a abandonar a estos dos personajes, las complicaciones van sucediéndose de forma cada vez más inesperada y absurda: la caja fuerte no tiene tanto dinero como esperaban y mientras intentan llevarse el poco dinero de la sucursal, el perfeccionismo de Wortzik al intentar quemar unos documentos que los incriminen, se convierte en su peor enemigo, al ser el detonante que alerta a la policía de que el banco está siendo atracado.
Al carecer de un estructurado plan logístico, los actos de ambos atracadores se convierten en una concatenación de actos improvisados, más determinados por sus errores que por la finalidad de conseguir el dinero. Mientras piensan cómo poder abandonar el banco, ya están rodeados por un centenar de policías, acusados de secuestrar a un grupo de trabajadores, los cuales observan expectantes los extravagantes acontecimientos.
La policía, el FBI, los medios periodísticos y miles de curiosos se arremolinan en torno al banco: El espectáculo está servido para los medios de Comunicación y Sonny comienza a revelar gradualmente cuáles son los curiosos motivos que lo han obligado a realizar un acto delictivo, sin tener intención de hacer daño a nadie realmente. Los rehenes del banco comienzan a simpatizar con Sonny, y él inicia las negociaciones con el policía Eugene Moretti (Charles Durning), que pronto es reemplazado por el agente del FBI, Sheldon (James Broderick).
El relato cambia radicalmente de rumbo en el momento en que Sonny debe salir a la calle para hablar con la policía. Su discurso arenga a todos los curiosos que por allí pasan, los cuales terminen por simpatizar más con el delincuente que con la policía encargada de mantener el orden público. La narración cambia de ritmo y se bifurca en torno a dos grandes temas: Lo que sucede fuera del banco, a modo de retrato social de la época, donde las manifestaciones pacifistas y las pancartas manifiestan el apoyo a los secuestradores y se rebelan contra los poderes públicos, contra las figuras de autoridad representadas por los antidisturbios, frente a una trama más intimista, la que nos va contando la vida de este peculiar personaje.
El guión fue adaptado por Frank Pierson, basado tanto en los artículos periodísticos de P.F. Kluge y Thomas Moore, como en el libro escrito por Leslie Waller.
Sidney Lumet nos regala una magistral dirección de actores. Una de las mejores interpretaciones de Al Pacino junto al siempre brillante y discreto John Cazale constituyen el alma del relato. Ambos actores le dan la fuerza y el carisma necesario a estos dos personajes para que puedan convertirse en héroes populares en vez de dos freakies fracasados.
La tensión narrativa es impecable, así como el manejo del tiempo fílmico, imprescindibles para transformar los elementos de un melodrama en un auténtico thriller, donde la acción siempre está contenida, pendiente de estallar, como la tensión a la que se ven sometidos nuestros ladrones protagonistas, no sólo durante el atraco, sino durante el relato que nos desvelando toda su vida.
La fotografía de Victor J. Kemper se encarga tanto de enmarcar unos excelentes primeros planos del dueto protagonista como de ofrecernos magníficas panorámicas a vista de pájaro de lo que está sucediendo en las calles que rodean al banco. La imagen, perfectamente acoplada al guion se encarga de remarcar esa diversificación del relato desde su perspectiva social y desde su visión más intimista de un singular personaje.
John S. Wojtowicz, el personaje real que vivió tras aquel suceso, fue localizado por los cineastas Allison Berg y Frank Keraudren, los cuales comenzaron a interesarse por este personaje después de ver una tarde la película de Sidney Lumet. Consiguieron localizar a Wojtowicz en 2002, cuando ya había cumplido la pena de cárcel por el atraco que cometió, y decidieron rodar un documental sobre su historia. En aquellos años, sus amigos y conocidos le llamaban, The Dog, el perro, en homenaje al título original del film que había recreado su intento de robo, Dog Day Afternoon.
A lo largo del documental, gracias a testimonios de amigos y familiares como su primera esposa Carmen Bifulco, de su madre y de la que fue su pareja, Ernest Aron, vamos descubriendo la compleja personalidad de este hombre que fue compromisario del Partido Republicano, soldado en Vietnam y, más tarde, activista en defensa de los derechos de gays y lesbianas. En un momento de la película él mismo se define como un adicto al sexo. "No fumo ni bebo. Tampoco tomo drogas ni soy un jugador. Soy un ángel", bromea. "Me considero un romántico. Cuando conocí a Ernie fue un flechazo. Y por eso, como la quería tanto, hice lo que hice aquel 22 de agosto de 1972".
También se recuerdan los entresijos y los preparativos de ese sorprendente robo. "Antes de ir al banco, fuimos a la calle 42 a ver El Padrino”, explica Wojtowicz.
Mientras se rodaba El documental "The Dog", John Wojtowicz enfermó de cáncer y finalmente falleció en 2006. Los cineastas tardaron más de una década en poder completar el documental.
Es la amarga crónica de un personaje inclasificable, a veces tierno, otras divertido y en ocasiones patético, que saltó a la fama por un frustrado atraco y que se convirtió en carne fresca para la prensa más sensacionalista.
Título original: Dog Day Afternoon.
Director: Sidney Lumet.
Intérpretes: Al
Pacino, John
Cazale, Charles
Durning, Carol
Kane, Chris
Sarandon, Sully
Boyar, Penelope
Allen.
