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Sydney Pollack realizó este interesante western, sobre un ex soldado que inicia un largo viaje hacia las montañas huyendo de la civilización y en busca de su propio destino, allí se encontrará con las dificultades que representa vivir con la naturaleza. Film de aventuras de toque ecologista y con un guión de John Millius (recordado también por su guión de "Apocalypse now (1979)" o su genial "Conan, el bárbaro (1981)", donde junto a la creación del guión realizó las funciones de director) reflejaba la adaptación del hombre de ciudad con lo primitivo y salvaje de la naturaleza al mismo tiempo que tocaba los temas de la soledad, la libertad y la importancia de la familia. Brillantemente protagonizado por Robert Redford, un habitual en la filmografía de Pollack ( entre ellas la archiconocida "Memorias de África (1985)"), sería una de las claves del éxito de la película, especialmente en taquilla, dado el caché y popularidad que vivía el actor en ese momento. La película nos enseñaba la evolución del personaje en varias etapas; un inicio de supervivencia y aprendizaje de éste con el entorno de las montañas, su adaptación con una improvisada familia (un niño mudo abandonado por su madre y una india que por circunstancias ajenas tendrá que casarse con ella) y su final de integración con la naturaleza convirtiéndose practicamente en un indio más. Algunas de las escenas de importancia y más emotivas, la llegada de Jeremías a la cabaña encontrándose muerta a su "familia" o la penetración del cementerio de Crow por parte del propio Jeremias y un grupo de soldados. Destaco la belleza de las imágenes de las montañas rodadas por exigencias (y de manera acertada) del director en parajes naturales y favorecidas por la gran fotografía de Duke Callaghan.
Frase para recordar: "Yo, Hasset Jack, en posesión de mis facultades mentales, aunque con las piernas rotas, dejo mi rifle para quien lo encuentre. Espero que sea un hombre blanco. Es un buen rifle y con él maté al oso que me mató a mí. De todas formas, estoy muerto.".
Título original: Jeremiah Johnson: Director: Sydney Pollack. Intérpretes: Robert Redford, Will Geer, Delle Bolton.
Sydney Pollack realizó este interesante western, sobre un ex soldado que inicia un largo viaje hacia las montañas huyendo de la civilización y en busca de su propio destino, allí se encontrará con las dificultades que representa vivir con la naturaleza. Film de aventuras de toque ecologista y con un guión de John Millius (recordado también por su guión de "Apocalypse now (1979)" o su genial "Conan, el bárbaro (1981)", donde junto a la creación del guión realizó las funciones de director) reflejaba la adaptación del hombre de ciudad con lo primitivo y salvaje de la naturaleza al mismo tiempo que tocaba los temas de la soledad, la libertad y la importancia de la familia. Brillantemente protagonizado por Robert Redford, un habitual en la filmografía de Pollack ( entre ellas la archiconocida "Memorias de África (1985)"), sería una de las claves del éxito de la película, especialmente en taquilla, dado el caché y popularidad que vivía el actor en ese momento. La película nos enseñaba la evolución del personaje en varias etapas; un inicio de supervivencia y aprendizaje de éste con el entorno de las montañas, su adaptación con una improvisada familia (un niño mudo abandonado por su madre y una india que por circunstancias ajenas tendrá que casarse con ella) y su final de integración con la naturaleza convirtiéndose practicamente en un indio más. Algunas de las escenas de importancia y más emotivas, la llegada de Jeremías a la cabaña encontrándose muerta a su "familia" o la penetración del cementerio de Crow por parte del propio Jeremias y un grupo de soldados. Destaco la belleza de las imágenes de las montañas rodadas por exigencias (y de manera acertada) del director en parajes naturales y favorecidas por la gran fotografía de Duke Callaghan.
Frase para recordar: "Yo, Hasset Jack, en posesión de mis facultades mentales, aunque con las piernas rotas, dejo mi rifle para quien lo encuentre. Espero que sea un hombre blanco. Es un buen rifle y con él maté al oso que me mató a mí. De todas formas, estoy muerto.".
Título original: Jeremiah Johnson: Director: Sydney Pollack. Intérpretes: Robert Redford, Will Geer, Delle Bolton.
El personaje John Rambo, pieza clave en la filmografía de Stallone (junto a Rocky), que siendo iniciado con el título que hago mención y continuado de 3 partes más de nivel inferior, acabaría convirtiéndose en una de las sagas más rentables que se han realizado en la historia del cine. El film, un clásico en el género de acción de los años ochenta fue dirigido por un prácticamente desconocido Ted Kotcheff que basándose en la novela "Primera sangre" del escritor David Morrell, nos contaba la historia de un ex-combatiente veterano de la guerra de Vietnam que tras su visita a un antiguo amigo del ejercito que ha muerto, será injustamente despreciado por el Sheriff de un pueblo. La película a parte de tratarse de un título puramente de acción enviaba una crítica social sobre aquellos soldados que llegaron de una absurda guerra como fue la guerra de Vietnam (y como lo son todas) con numerosas secuelas y traumas psicológicos y que sufrieron de un recibimiento de indiferencia (y hostilidad) por parte de los demás. El film consagraría la popularidad de Stallone al igual que se convertiría en un título de innumerables parodias sobre su personaje, especialmente por la escena final que mantiene John Rambo con el coronel Trautman. Como curiosidad, en la película se pensaron de actores como Steve McQueen, John Travolta o Dustin Hoffman para el personaje principal al igual que Kirk Douglas iba a ser quien interpretara al Coronel Trautman antes de ser elegido Richard Crenna. Hago mención del final alternativo de la película, claramente menos comercial que el elegido. También destaco la banda sonora del mítico Jerry Goldsmith y la canción de Dan Hill "It`s a long road".
Frase para recordar: "Se equivoca. No vengo a salvar a Rambo de ustedes, sino a ustedes de él".
Título original: First blood. Director: Ted Kotcheff. Intérpretes: Sylvester Stallone, Richard Crenna, Brian Dennehy.
El personaje John Rambo, pieza clave en la filmografía de Stallone (junto a Rocky), que siendo iniciado con el título que hago mención y continuado de 3 partes más de nivel inferior, acabaría convirtiéndose en una de las sagas más rentables que se han realizado en la historia del cine. El film, un clásico en el género de acción de los años ochenta fue dirigido por un prácticamente desconocido Ted Kotcheff que basándose en la novela "Primera sangre" del escritor David Morrell, nos contaba la historia de un ex-combatiente veterano de la guerra de Vietnam que tras su visita a un antiguo amigo del ejercito que ha muerto, será injustamente despreciado por el Sheriff de un pueblo. La película a parte de tratarse de un título puramente de acción enviaba una crítica social sobre aquellos soldados que llegaron de una absurda guerra como fue la guerra de Vietnam (y como lo son todas) con numerosas secuelas y traumas psicológicos y que sufrieron de un recibimiento de indiferencia (y hostilidad) por parte de los demás. El film consagraría la popularidad de Stallone al igual que se convertiría en un título de innumerables parodias sobre su personaje, especialmente por la escena final que mantiene John Rambo con el coronel Trautman. Como curiosidad, en la película se pensaron de actores como Steve McQueen, John Travolta o Dustin Hoffman para el personaje principal al igual que Kirk Douglas iba a ser quien interpretara al Coronel Trautman antes de ser elegido Richard Crenna. Hago mención del final alternativo de la película, claramente menos comercial que el elegido. También destaco la banda sonora del mítico Jerry Goldsmith y la canción de Dan Hill "It`s a long road".
Frase para recordar: "Se equivoca. No vengo a salvar a Rambo de ustedes, sino a ustedes de él".
Título original: First blood. Director: Ted Kotcheff. Intérpretes: Sylvester Stallone, Richard Crenna, Brian Dennehy.
Eastwood con un guión de Richard LaGravenese (guionista también conocido por su guión de "El rey pescador (1991)") y basado en la novela de Robert James Waller, nos contaba la vida rutinaria de una ama de casa que con la ausencia de un fin de semana de su marido e hijos recuperará la ilusión y la armonía con la llegada de un fotógrafo. Una sencilla y entrañable obra que huyendo de la cursilería y sensiblería barata y de atractivos adolescentes que luzcan el palmito, (algo muy común en actuales películas del género romántico) nos mostraba una emotiva historia de amor sencilla entre dos personas maduras que se conocen por casualidad donde además tocaba el tema de la resignación de conformarnos con la vida que tenemos (por muy vacía que sea) y no lanzarnos (por miedo) a algo que podría ser mejor. La obra aún siendo aire fresco para un género cada día más en declive, no fue reconocida por la academia, siendo un título injustamente olvidado en la edición de los Óscars de aquel año (insuficiente, bajo mi punto de vista, su única nominación a la categoría de actriz principal por Meryl Streep, más viendo títulos como "Apollo 13" o "Babe" que se habían colado en las elegidas como candidatas a mejor película). De las escenas más emotivas y clave de esta obra es el momento final, con una Meryl Streep, dentro de la furgoneta, dudando que decisión tomar con un semáforo que marcará su destino. Como curiosidad, la película estaba pensada en la dirección de Sidney Pollack, pero que fue abandonada por éste al no conseguir que su personaje principal fuera Robert Reford. Hago mención a la partitura de Lennie Niehaus, genial trabajo que nos adentraba perfectamente en los sentimientos de los dos protagonistas.
Frase para recordar: "La mayoría de las personas temen el cambio, pero si lo ves como algo con lo que siempre puedes contar puede ser un consuelo, no hay muchas cosas con las que realmente puedas contar". Título original: The bridges of Madison County.
Eastwood con un guión de Richard LaGravenese (guionista también conocido por su guión de "El rey pescador (1991)") y basado en la novela de Robert James Waller, nos contaba la vida rutinaria de una ama de casa que con la ausencia de un fin de semana de su marido e hijos recuperará la ilusión y la armonía con la llegada de un fotógrafo. Una sencilla y entrañable obra que huyendo de la cursilería y sensiblería barata y de atractivos adolescentes que luzcan el palmito, (algo muy común en actuales películas del género romántico) nos mostraba una emotiva historia de amor sencilla entre dos personas maduras que se conocen por casualidad donde además tocaba el tema de la resignación de conformarnos con la vida que tenemos (por muy vacía que sea) y no lanzarnos (por miedo) a algo que podría ser mejor. La obra aún siendo aire fresco para un género cada día más en declive, no fue reconocida por la academia, siendo un título injustamente olvidado en la edición de los Óscars de aquel año (insuficiente, bajo mi punto de vista, su única nominación a la categoría de actriz principal por Meryl Streep, más viendo títulos como "Apollo 13" o "Babe" que se habían colado en las elegidas como candidatas a mejor película). De las escenas más emotivas y clave de esta obra es el momento final, con una Meryl Streep, dentro de la furgoneta, dudando que decisión tomar con un semáforo que marcará su destino. Como curiosidad, la película estaba pensada en la dirección de Sidney Pollack, pero que fue abandonada por éste al no conseguir que su personaje principal fuera Robert Reford. Hago mención a la partitura de Lennie Niehaus, genial trabajo que nos adentraba perfectamente en los sentimientos de los dos protagonistas.
Frase para recordar: "La mayoría de las personas temen el cambio, pero si lo ves como algo con lo que siempre puedes contar puede ser un consuelo, no hay muchas cosas con las que realmente puedas contar". Título original: The bridges of Madison County.
El gran actor inglés Charles Laughton ("El sospechoso (1944)") hizo de su única película como director todo un clásico en la historia del cine. Con un guión de James Agee (guionista también de la gran obra de John Huston, "La reina de África (1951)") y basada en una novela de David Grubb es valorada en la actualidad como un título imprescindible en el mundo del celuloide algo que contrasta con el abucheo que sufrió por los críticos de la época y el fracaso comercial en el momento de su estreno. El film nos contaba la búsqueda de un botín por un predicador sin escrúpulos que tras averiguarlo durante su instancia en prisión por un compañero de celda, hará todo lo posible por conseguirlo. El film de Laughton a parte de ser un interesante cuento para adultos con buena dosis de intriga tocaba los temas de la religión y la representación del bien y del mal (me pareció destacable el detalle que hace el director del personaje principal, un reverendo excesivamente moralista que choca con la maldad que desprende de sus actos). Destaca en la obra de Laughton, el trio protagonista, los dos niños (Billy Chapin y Sally Jane Bruce) poseedores del preciado botín y a Robert Mitchum en su papel de cruel y psicópata predicador, Harry Powell, sin olvidarme de Shelley Winters como madre y víctima (devota) de Harry Powell. Algunas escenas destacables que pueden verse en la obra es el monólogo de Harry Powell explicando la representación del bien y del mal con aquellos nudillos tatuados (love/hate), el propio Harry Powell cabalbando desde el horizonte en busca de los niños o la secuencia del cadáver de la madre de los niños en el fondo del mar. Como curiosidad, para el papel de Harry Powell fue pensado en el actor Gary Cooper siendo rechazado por éste.
Frase para recordar: "Señor, tú sabías bien lo que hacias cuando me destinastes a esta celda y en estos precisos instantes". Título original: The night of the hunter.
Director: Charles Laughton. Intérpretes: Robert Mitchum, Billy Chapin, Sally Jane Bruce, Shelley Winters.
El gran actor inglés Charles Laughton ("El sospechoso (1944)") hizo de su única película como director todo un clásico en la historia del cine. Con un guión de James Agee (guionista también de la gran obra de John Huston, "La reina de África (1951)") y basada en una novela de David Grubb es valorada en la actualidad como un título imprescindible en el mundo del celuloide algo que contrasta con el abucheo que sufrió por los críticos de la época y el fracaso comercial en el momento de su estreno. El film nos contaba la búsqueda de un botín por un predicador sin escrúpulos que tras averiguarlo durante su instancia en prisión por un compañero de celda, hará todo lo posible por conseguirlo. El film de Laughton a parte de ser un interesante cuento para adultos con buena dosis de intriga tocaba los temas de la religión y la representación del bien y del mal (me pareció destacable el detalle que hace el director del personaje principal, un reverendo excesivamente moralista que choca con la maldad que desprende de sus actos). Destaca en la obra de Laughton, el trio protagonista, los dos niños (Billy Chapin y Sally Jane Bruce) poseedores del preciado botín y a Robert Mitchum en su papel de cruel y psicópata predicador, Harry Powell, sin olvidarme de Shelley Winters como madre y víctima (devota) de Harry Powell. Algunas escenas destacables que pueden verse en la obra es el monólogo de Harry Powell explicando la representación del bien y del mal con aquellos nudillos tatuados (love/hate), el propio Harry Powell cabalbando desde el horizonte en busca de los niños o la secuencia del cadáver de la madre de los niños en el fondo del mar. Como curiosidad, para el papel de Harry Powell fue pensado en el actor Gary Cooper siendo rechazado por éste.
Frase para recordar: "Señor, tú sabías bien lo que hacias cuando me destinastes a esta celda y en estos precisos instantes". Título original: The night of the hunter.
Director: Charles Laughton. Intérpretes: Robert Mitchum, Billy Chapin, Sally Jane Bruce, Shelley Winters.
Gran trabajo de Sidney Lumet que junto al guionista Waldo Salt (también impresionante su guión para "Cowboy de medianoche (1969)") realizaron esta obra de denuncia policial basada en la biografía de Frank Serpico escrita por Peter Mass. La calidad de este film no hubiera sido posible sin la sobresaliente interpretación de Al Pacino (de sus mejores papeles, en mi opinión, junto el de Tony Montana de "El precio del poder (1983)", en una década (los setenta) donde el actor iniciaría su lanzamiento al estrellato y gozaría de una de sus mejores etapas en el mundo cinematográfico (el actor, durante los años 1972 -1979, estaría presente en 5 ceremonias de los Óscar en la lucha de una estatuilla, pero que no le llegaría el preciado premio hasta los años noventa donde sería finalmente recompensado por su papel de ciego en "Esencia de mujer (1992)"). Al Pacino, en este título que menciono, se dejaría la piel interpretando la vida de este policía hippy atormentado que fiel a sus principios moralistas luchó contra la corrupción policial que ejercían la mayoría de sus colegas de profesión hasta el extremo de afectarle de manera negativa en su vida personal. Tras su éxito cosechado, director y actor ,volverían a repetir conjuntamente dos años más tarde en una nueva obra de notable importancia "Tarde de perros (1975)".
Frase para recordar: "Nunca hemos tenido un tío tan raro como tú".
Director: Sidney Lumet. Intérprete: Al Pacino, Jack Kehoe, John Randolph.
Gran trabajo de Sidney Lumet que junto al guionista Waldo Salt (también impresionante su guión para "Cowboy de medianoche (1969)") realizaron esta obra de denuncia policial basada en la biografía de Frank Serpico escrita por Peter Mass. La calidad de este film no hubiera sido posible sin la sobresaliente interpretación de Al Pacino (de sus mejores papeles, en mi opinión, junto el de Tony Montana de "El precio del poder (1983)", en una década (los setenta) donde el actor iniciaría su lanzamiento al estrellato y gozaría de una de sus mejores etapas en el mundo cinematográfico (el actor, durante los años 1972 -1979, estaría presente en 5 ceremonias de los Óscar en la lucha de una estatuilla, pero que no le llegaría el preciado premio hasta los años noventa donde sería finalmente recompensado por su papel de ciego en "Esencia de mujer (1992)"). Al Pacino, en este título que menciono, se dejaría la piel interpretando la vida de este policía hippy atormentado que fiel a sus principios moralistas luchó contra la corrupción policial que ejercían la mayoría de sus colegas de profesión hasta el extremo de afectarle de manera negativa en su vida personal. Tras su éxito cosechado, director y actor ,volverían a repetir conjuntamente dos años más tarde en una nueva obra de notable importancia "Tarde de perros (1975)".
Frase para recordar: "Nunca hemos tenido un tío tan raro como tú".
Director: Sidney Lumet. Intérprete: Al Pacino, Jack Kehoe, John Randolph.
Primera parte de las aventuras de este mítico personaje y todo un icono de los años ochenta: Indiana Jones (en un principio se había pensado en Indiana Smith como nombre del personaje) fue creado por George Lucas y Steven Spielbergy con guión de Lawrence Kasdan (famoso también por sus guiones en "El imperio contraataca (1980)" y "El retorno del Jedi (1983)"). Harrison Ford sería el elegido para ponerse el sombrero y llevar el látigo de este profesor de arqueología aficionado a adquirir piezas de importancia histórica, en mencionado título Indiana Jones intentará conseguir la famosa Arca de la Alianza donde lleva guardado los mandamientos de Moisés, una pieza que dará poder absoluto a quien la posea. Harrison Ford respaldado por sus importantes títulos previos a esta obra (su breve papel en "La conversación (1974)" de Francis Ford Coppola o las obras del propio George Lucas "American Graffitti (1973)" y su legendario papel de Han Solo en la clásica "La guerra de las galaxias (1977)") junto la negativa final de Tom Selleck de encarnar el personaje, le daría la gran oportunidad de realizar un papel que le marcaría en la historia del cine (junto a su interpretación, de la antes mencionada, Han Solo o el caza replicantes, Rick Deckard, en "Blade Runner (1982)"), quien se lo iba a decir a este actor cuando trabajaba en sus inicios como carpintero. Algunas escenas importantes que se recuerdan, es Indiana Jones perseguido por una enorme piedra o el momento de las serpientes en el Pozo de Almas. La película fue nominada en los Óscars a 8 canditaturas (incluyendo mejor película) donde conseguiría 4 estatuillas (todas ellas en categorías técnicas). Como curiosidad, el nombre Indiana procedía del nombre del perro de George Lucas, al igual que el nombre de Marion (la protagonista femenina del film interpretada por la actriz Karen Allen) era referente al nombre que había puesto Spielberg a su gata. Es difícil hablar de este clásico sin recordar la famosa partitura de John Williams. Director: Steven Spielberg. Título original: Indiana Jones: Raiders of the lost ark. Intérpretes: Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman, Ronald Lacey.
Primera parte de las aventuras de este mítico personaje y todo un icono de los años ochenta: Indiana Jones (en un principio se había pensado en Indiana Smith como nombre del personaje) fue creado por George Lucas y Steven Spielbergy con guión de Lawrence Kasdan (famoso también por sus guiones en "El imperio contraataca (1980)" y "El retorno del Jedi (1983)"). Harrison Ford sería el elegido para ponerse el sombrero y llevar el látigo de este profesor de arqueología aficionado a adquirir piezas de importancia histórica, en mencionado título Indiana Jones intentará conseguir la famosa Arca de la Alianza donde lleva guardado los mandamientos de Moisés, una pieza que dará poder absoluto a quien la posea. Harrison Ford respaldado por sus importantes títulos previos a esta obra (su breve papel en "La conversación (1974)" de Francis Ford Coppola o las obras del propio George Lucas "American Graffitti (1973)" y su legendario papel de Han Solo en la clásica "La guerra de las galaxias (1977)") junto la negativa final de Tom Selleck de encarnar el personaje, le daría la gran oportunidad de realizar un papel que le marcaría en la historia del cine (junto a su interpretación, de la antes mencionada, Han Solo o el caza replicantes, Rick Deckard, en "Blade Runner (1982)"), quien se lo iba a decir a este actor cuando trabajaba en sus inicios como carpintero. Algunas escenas importantes que se recuerdan, es Indiana Jones perseguido por una enorme piedra o el momento de las serpientes en el Pozo de Almas. La película fue nominada en los Óscars a 8 canditaturas (incluyendo mejor película) donde conseguiría 4 estatuillas (todas ellas en categorías técnicas). Como curiosidad, el nombre Indiana procedía del nombre del perro de George Lucas, al igual que el nombre de Marion (la protagonista femenina del film interpretada por la actriz Karen Allen) era referente al nombre que había puesto Spielberg a su gata. Es difícil hablar de este clásico sin recordar la famosa partitura de John Williams. Director: Steven Spielberg. Título original: Indiana Jones: Raiders of the lost ark. Intérpretes: Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman, Ronald Lacey.
Brutal obra de John Boorman, director también de las interesantes "A quemarropa (1967)" o la historia del Rey Arturo en "Excalibur (1981)", donde nos ponía en la piel de cuatro amigos que deciden pasar un fin de semana en los bosques de Apalache, lo que parecía una divertida experiencia se convertirá en una agónica aventura en donde sus vidas están en juego. Buena trama donde honda en los instintos más salvajes del ser humano a la vez que hace un análisis de los conflictos morales en situaciones extremas y crítica la soberbia que tiene el hombre moderno de la ciudad sobre lo salvaje de la naturaleza. Destacable la elección de los cuatro protagonistas cada uno con una particular personalidad: un Jon Voight como el personaje más coherente, (refortalecido con su genial interpretación en "Cowboy de noche (1969)") , Burt Reynolds en su papel de fuerte y líder del grupo (realizando su mejor interpretación hasta la fecha), Ronny Cox, como el más moralista de los cuatro y Ned Beatty, interpretando al más débil y siendo participe en la escena más terrible y dura de la película. Hablando de escenas , dos de las más destacables: el duelo de banjos entre uno de los protagonistas con un niño con retraso y habitante del pueblo o el mencionado crudo momento de la tortura-humillación que sufren dos miembros del grupo. Esta obra entraría en la historia de los Óscars con sus 3 nominaciones (incluida a la mejor película y director) en un año recordado por el marcado rechazo de Marlon Brando a la estatuilla que le brindaba como mejor actor por "El padrino (1972)". Hago mención de la genial fotografía de Vilmos Zsigmond, describiéndonos los peligrosos y hermosos paisajes que podemos disfrutar en el film.
Frase para recordar: "A veces, antes de encontrar algo, hay que perderse un poco".
Director: John Boorman. Intérpretes: Jon Voigh, Burt Reynolds, Ronny Cox, Ned Beatty.
Brutal obra de John Boorman, director también de las interesantes "A quemarropa (1967)" o la historia del Rey Arturo en "Excalibur (1981)", donde nos ponía en la piel de cuatro amigos que deciden pasar un fin de semana en los bosques de Apalache, lo que parecía una divertida experiencia se convertirá en una agónica aventura en donde sus vidas están en juego. Buena trama donde honda en los instintos más salvajes del ser humano a la vez que hace un análisis de los conflictos morales en situaciones extremas y crítica la soberbia que tiene el hombre moderno de la ciudad sobre lo salvaje de la naturaleza. Destacable la elección de los cuatro protagonistas cada uno con una particular personalidad: un Jon Voight como el personaje más coherente, (refortalecido con su genial interpretación en "Cowboy de noche (1969)") , Burt Reynolds en su papel de fuerte y líder del grupo (realizando su mejor interpretación hasta la fecha), Ronny Cox, como el más moralista de los cuatro y Ned Beatty, interpretando al más débil y siendo participe en la escena más terrible y dura de la película. Hablando de escenas , dos de las más destacables: el duelo de banjos entre uno de los protagonistas con un niño con retraso y habitante del pueblo o el mencionado crudo momento de la tortura-humillación que sufren dos miembros del grupo. Esta obra entraría en la historia de los Óscars con sus 3 nominaciones (incluida a la mejor película y director) en un año recordado por el marcado rechazo de Marlon Brando a la estatuilla que le brindaba como mejor actor por "El padrino (1972)". Hago mención de la genial fotografía de Vilmos Zsigmond, describiéndonos los peligrosos y hermosos paisajes que podemos disfrutar en el film.
Frase para recordar: "A veces, antes de encontrar algo, hay que perderse un poco".
Director: John Boorman. Intérpretes: Jon Voigh, Burt Reynolds, Ronny Cox, Ned Beatty.
Basado en un relato corto de Stephen King, un debutante Frank Darabont después de realizar el guión de la tercera parte de "Pesadilla en Elm Street" y la película para televisión "Enterrado vivo (1990)" con Jennifer Jason Leigh, realizó esta historia basada en la esperanza, la libertad y la amistad. La historia nos ponía a un genial Tim Robbins que es encarcelado por asesinato, tras un inicio que sufre de la intimidación de los otros presos conseguirá gracias a sus principios y su forma de ser, ganarse la confianza de todos ellos al igual que de los guardias de la prisión. Película considerada de las cenicientas en las nominaciones de los Óscar de aquel año, (a pesar de sus 7 canditaturas), competiría con la exitosa "Forrest Gump (1994)" y la obra cumbre de Tarantino: "Pulp Fiction (1994)", aun así, la obra no pasó desapercibida y se ha hecho un merecido hueco en los film importantes del género carcelario. Gran papel el que realiza Morgan Freeman como el preso amigo del protagonista, que le supuso la nominación al mejor actor (ganado por Tom Hanks). Destaco el detalle que tiene la película con los pósters que van pasando por la celda del protagonista, una forma de decirnos el paso de los años, con las actrices de moda de la época: Rita Hayworth (años 40), Marilyn Monroe (años 50) y Rachel Welch (años 60) a la vez que simboliza la libertad (clave en en desenlace del film). Algunas escenas geniales que nos ofrece esta obra de Darabont: el momento que Tim Robbins se encierra en el despacho del alcaide y se pone a escuchar un disco de Mozart o cuando uno de los presos ancianos al conseguir la libertad se siente perdido en una ciudad que no se siente adaptado. Como curiosidad, para el personaje que realiza Tim Robbins (Andy Dufresne) se pensaron en Kevin Costner y en Tom Hanks, este último desecharía el papel al haberse comprometido en realizar "Forrest Gump (1994)", cosa que no haría , cinco años más tarde, al aceptar el nuevo proyecto de Frank Darabont, "La milla verde (1999)". Hago mención a la gran banda sonora de Thomas Newman.
Frase para recordar: "Empeñarse en morir o empeñarse a vivir".
Título original: The shawshank redemption. Director: Frank Darabont. Intérpretes: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, William Sadler.
Basado en un relato corto de Stephen King, un debutante Frank Darabont después de realizar el guión de la tercera parte de "Pesadilla en Elm Street" y la película para televisión "Enterrado vivo (1990)" con Jennifer Jason Leigh, realizó esta historia basada en la esperanza, la libertad y la amistad. La historia nos ponía a un genial Tim Robbins que es encarcelado por asesinato, tras un inicio que sufre de la intimidación de los otros presos conseguirá gracias a sus principios y su forma de ser, ganarse la confianza de todos ellos al igual que de los guardias de la prisión. Película considerada de las cenicientas en las nominaciones de los Óscar de aquel año, (a pesar de sus 7 canditaturas), competiría con la exitosa "Forrest Gump (1994)" y la obra cumbre de Tarantino: "Pulp Fiction (1994)", aun así, la obra no pasó desapercibida y se ha hecho un merecido hueco en los film importantes del género carcelario. Gran papel el que realiza Morgan Freeman como el preso amigo del protagonista, que le supuso la nominación al mejor actor (ganado por Tom Hanks). Destaco el detalle que tiene la película con los pósters que van pasando por la celda del protagonista, una forma de decirnos el paso de los años, con las actrices de moda de la época: Rita Hayworth (años 40), Marilyn Monroe (años 50) y Rachel Welch (años 60) a la vez que simboliza la libertad (clave en en desenlace del film). Algunas escenas geniales que nos ofrece esta obra de Darabont: el momento que Tim Robbins se encierra en el despacho del alcaide y se pone a escuchar un disco de Mozart o cuando uno de los presos ancianos al conseguir la libertad se siente perdido en una ciudad que no se siente adaptado. Como curiosidad, para el personaje que realiza Tim Robbins (Andy Dufresne) se pensaron en Kevin Costner y en Tom Hanks, este último desecharía el papel al haberse comprometido en realizar "Forrest Gump (1994)", cosa que no haría , cinco años más tarde, al aceptar el nuevo proyecto de Frank Darabont, "La milla verde (1999)". Hago mención a la gran banda sonora de Thomas Newman.
Frase para recordar: "Empeñarse en morir o empeñarse a vivir".
Título original: The shawshank redemption. Director: Frank Darabont. Intérpretes: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, William Sadler.
Cuando queda embarazada y posteriormente abandonada la hija de un poderoso y rico mexicano por Alfredo García, el padre de esta ofrecerá una recompensa de un millón de dólares a quien le traiga la cabeza de este último, de esta manera comienza la obra del siempre genial Sam Pekinpah. Interesante road movie con toques de western y romance sin "edulcorante" lleno de personajes sin escrúpulos y caracterizado por la violencia que siempre refleja el director en todos sus films. También me parece curioso el rol que pone el director a sus personajes, a los hombres como borrachos y rudos y a las mujeres como zorras y de malos instintos, bastante común en las obras de Pekinpah. Como protagonista antihéroe tenemos al actor Warren Oates (visto en "Grupo salvaje (1969)" del propio Pekinpah o en el thiller de gangsters "Dillinger (1973)"), un personaje borracho y perdedor que acompañado de sus singulares gafas pasará por dos etapas en el transcurso de la película, una con su obsesión de la suculenta recompensa que le ayude cambiar el rumbo de su vida para pasar a un estado de odio y venganza cuando pierde aquello que le realmente le importaba. En el elenco de actores podemos ver a Kris Kristofferson, en un pequeño papel de motorista que asalta a la pareja protagonista, actor que repetía con Pekinpah después de su gran interpretación en "Pat Garret y Billy the Kid (1973)" y que volvería a tener una nueva participación en "Convoy (1978)", un film de lo más flojos e irregulares que rodó Pekinpah. Como curiosidad del film, los trajes que llevaba el actor en la película eran del propio director, a si mismo, la forma que caminaba el personaje de Warren Oates era una propia imitación de como andaba realmente Sam Pekinpah.
Frase para recordar: "Tu cuida del hijo, que yo cuidaré del padre".
Título original: Bring me the head of Alfredo Garcia.
Director: Sam Peckinpah. Intérpretes: Warren Oates, Isela Vega, Gig Young, Robert Webber
Cuando queda embarazada y posteriormente abandonada la hija de un poderoso y rico mexicano por Alfredo García, el padre de esta ofrecerá una recompensa de un millón de dólares a quien le traiga la cabeza de este último, de esta manera comienza la obra del siempre genial Sam Pekinpah. Interesante road movie con toques de western y romance sin "edulcorante" lleno de personajes sin escrúpulos y caracterizado por la violencia que siempre refleja el director en todos sus films. También me parece curioso el rol que pone el director a sus personajes, a los hombres como borrachos y rudos y a las mujeres como zorras y de malos instintos, bastante común en las obras de Pekinpah. Como protagonista antihéroe tenemos al actor Warren Oates (visto en "Grupo salvaje (1969)" del propio Pekinpah o en el thiller de gangsters "Dillinger (1973)"), un personaje borracho y perdedor que acompañado de sus singulares gafas pasará por dos etapas en el transcurso de la película, una con su obsesión de la suculenta recompensa que le ayude cambiar el rumbo de su vida para pasar a un estado de odio y venganza cuando pierde aquello que le realmente le importaba. En el elenco de actores podemos ver a Kris Kristofferson, en un pequeño papel de motorista que asalta a la pareja protagonista, actor que repetía con Pekinpah después de su gran interpretación en "Pat Garret y Billy the Kid (1973)" y que volvería a tener una nueva participación en "Convoy (1978)", un film de lo más flojos e irregulares que rodó Pekinpah. Como curiosidad del film, los trajes que llevaba el actor en la película eran del propio director, a si mismo, la forma que caminaba el personaje de Warren Oates era una propia imitación de como andaba realmente Sam Pekinpah.
Frase para recordar: "Tu cuida del hijo, que yo cuidaré del padre".
Título original: Bring me the head of Alfredo Garcia.
Director: Sam Peckinpah. Intérpretes: Warren Oates, Isela Vega, Gig Young, Robert Webber
Con un inicio como técnico de efectos especiales ("Los siete magníficos del espacio (1980)", "1997: Rescate en Nueva York (1981)") y su debut bastante discreto en la secuela de "Piraña", James Cameron crearía este título de culto para el género de la ciencia ficción. El director contaría (algo que inicialmente no le agradaba,) con el actor austriaco de apellido algo difícil de propunciar, Arnold Schwarzenegger, que después de triunfar como guerrero en las dos partes de Conan, se pondría en la piel de robot del futuro encargado de asesinar a la madre de quien lideraría la rebelión que acabara con las máquinas. El director para realizar el guión de este film se inspiró en los episodios de una serie de televisión de los años 60 ,"The Outer Limits" y en la película de Michael Crichton "Almas de metal (1973)" donde el actor Yul Brynner hacia de pistolero cibernético que perseguía a sus víctimas ( posteriormente se llegó a pensar en un remake con Arnie en el papel protagonista). En el reparto podemos ver, a parte del actor austriaco, a Linda Hamilton, como objetivo a perseguir por el robot, actriz que fue esposa del propio James Cameron (cuyo papel de Sarah Connor se habían pensado en un principio en actrices como Jennifer Jason Leigh o Patricia Arquette) y a Michael Biehn como soldado mandado también desde el futuro para acabar con el terminator, actor que debutó con un pequeño papel en "Grease (1978)" y que acompañaría también al director en sus posteriores películas: "Aliens , el regreso (1986)" y en "Abyss (1989)". Destacar las escenas donde el terminator se quita el ojo de textura humana o su final en la fábrica con el robot sin sus extremidades inferiores persiguiendo a Sarah Connor. Como algunas curiosidades del film, ver a un joven Bill Paxton en el papel de punk, víctima del terminator y las apenas 17 frases que dice Schwarzenneger en toda la película.
Frase para recordar: "Volveré".
Director: James Cameron. Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Michael Biehn.
Con un inicio como técnico de efectos especiales ("Los siete magníficos del espacio (1980)", "1997: Rescate en Nueva York (1981)") y su debut bastante discreto en la secuela de "Piraña", James Cameron crearía este título de culto para el género de la ciencia ficción. El director contaría (algo que inicialmente no le agradaba,) con el actor austriaco de apellido algo difícil de propunciar, Arnold Schwarzenegger, que después de triunfar como guerrero en las dos partes de Conan, se pondría en la piel de robot del futuro encargado de asesinar a la madre de quien lideraría la rebelión que acabara con las máquinas. El director para realizar el guión de este film se inspiró en los episodios de una serie de televisión de los años 60 ,"The Outer Limits" y en la película de Michael Crichton "Almas de metal (1973)" donde el actor Yul Brynner hacia de pistolero cibernético que perseguía a sus víctimas ( posteriormente se llegó a pensar en un remake con Arnie en el papel protagonista). En el reparto podemos ver, a parte del actor austriaco, a Linda Hamilton, como objetivo a perseguir por el robot, actriz que fue esposa del propio James Cameron (cuyo papel de Sarah Connor se habían pensado en un principio en actrices como Jennifer Jason Leigh o Patricia Arquette) y a Michael Biehn como soldado mandado también desde el futuro para acabar con el terminator, actor que debutó con un pequeño papel en "Grease (1978)" y que acompañaría también al director en sus posteriores películas: "Aliens , el regreso (1986)" y en "Abyss (1989)". Destacar las escenas donde el terminator se quita el ojo de textura humana o su final en la fábrica con el robot sin sus extremidades inferiores persiguiendo a Sarah Connor. Como algunas curiosidades del film, ver a un joven Bill Paxton en el papel de punk, víctima del terminator y las apenas 17 frases que dice Schwarzenneger en toda la película.
Frase para recordar: "Volveré".
Director: James Cameron. Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Michael Biehn.
Considerada una de las obras maestras de la historia del cine, fue realizada por el director sueco Ingmar Bergman, donde con un historia escrita por él mismo, nos contaba el regreso de un caballero y su escudero a su país de origen después de los combates de las Cruzadas, en un ejercicio de buscar el sentido su la vida, el caballero retará a la muerte a una partida de ajedrez. El director nos planteaba los temas de la religión (y su fanatismo) y la búsquedad del significado de la vida a la vez que trataba de dar respuesta a la tan complicada pregunta como es el saber que hay después la muerte, siempre desde un punto de vista filosófico, y con cierto humor irónico, (recordar la escena, donde unos de los personajes del film estando encaramado en un árbol, la muerte trata de tirarlo abajo cortándole el árbol con una sierra). El director para su obra, contó de su actor fetiche y de gran importancia en el mundo del cine, como es Max von Sydow (entre otras obras que realizó junto a este director, podríamos recordar, "Fresas salvajes (1957)", "El rostro (1958)" o "Los comulgantes (1963)"). Lo que más me llamó la atención de esta obra, fueron sus inteligentes y profundos diálogos que al termino de la película me dieron mucho de pensar y la interesante fotografía en blanco y negro realizada por Gunnar Fischer, que hacen míticas, especialmente, las escenas de la partida de ajedrez.
Frase para recordar: "Si todo es imperfecto en este mundo imperfecto, el amor es lo más perfecto de todo, precisamente por su perfecta imperfección.".
Título original: Det sjunde inseglet
Director: Ingmar Bergman. Intérpretes: Max von Sydow, Bibi Andersson, Gunnar Björnstrand.
Considerada una de las obras maestras de la historia del cine, fue realizada por el director sueco Ingmar Bergman, donde con un historia escrita por él mismo, nos contaba el regreso de un caballero y su escudero a su país de origen después de los combates de las Cruzadas, en un ejercicio de buscar el sentido su la vida, el caballero retará a la muerte a una partida de ajedrez. El director nos planteaba los temas de la religión (y su fanatismo) y la búsquedad del significado de la vida a la vez que trataba de dar respuesta a la tan complicada pregunta como es el saber que hay después la muerte, siempre desde un punto de vista filosófico, y con cierto humor irónico, (recordar la escena, donde unos de los personajes del film estando encaramado en un árbol, la muerte trata de tirarlo abajo cortándole el árbol con una sierra). El director para su obra, contó de su actor fetiche y de gran importancia en el mundo del cine, como es Max von Sydow (entre otras obras que realizó junto a este director, podríamos recordar, "Fresas salvajes (1957)", "El rostro (1958)" o "Los comulgantes (1963)"). Lo que más me llamó la atención de esta obra, fueron sus inteligentes y profundos diálogos que al termino de la película me dieron mucho de pensar y la interesante fotografía en blanco y negro realizada por Gunnar Fischer, que hacen míticas, especialmente, las escenas de la partida de ajedrez.
Frase para recordar: "Si todo es imperfecto en este mundo imperfecto, el amor es lo más perfecto de todo, precisamente por su perfecta imperfección.".
Título original: Det sjunde inseglet
Director: Ingmar Bergman. Intérpretes: Max von Sydow, Bibi Andersson, Gunnar Björnstrand.
Tras su debut de "Pi (1998)", Darren Aronofsky, dirigió con acierto esta obra de obsesiones, ilusiones y adicciones a las drogas. El film nos contaba la historia de 4 personajes: una pareja de jóvenes y su amigo en busca de una prospera vida basada en la venta y su consumo de droga, y una madre que intenta olvidar su soledad a base de su obsesión de participar en un programa de televisión y por ello adelgazar varios de kilos a toda costa. Impresionante y desgarradora obra de Aronofsky donde basada en una novela de Hubert Selby Jr. nos presentaba el descenso de los infiernos de unos personajes vulnerables y abocados al fracaso, el director describe la trayectoria de estos perdedores desde su inicio prometedor y de felicidad plena hasta enseñarnos sin ningún tipo de compasión sus últimas y drásticas consecuencias. Destacar la interesante interpretación de Ellen Burstyn (madre de la niña poseída en la mítica "El exorcista (1973) ") en su papel de viuda y madre obsesionada por su imagen, su gran papel le llevó a la nominación de los Óscar (en un año ganado por Julia Roberts en "Erin Brockovich"). Hago también mención de la exitosa pieza musical del film, por el que fuera componente del grupo británico de Pop will eat itsealf, Clint Mansell. Como curiosidad, algunos de los drogadictos que salen en la escena del supermercado se trataban de verdaderos yonkis que intervinieron a cambio de cocaína, dando mayor realismo a este momento del film.
Frase para recordar: "Convierte el mañana en algo positivo".
Título original: Requiem from a dream. Director: Darren Aronofsky. Intérprete: Jared Leto, Ellen Burstyn, Jennifer Connelly, Marlon Wayans.
Tras su debut de "Pi (1998)", Darren Aronofsky, dirigió con acierto esta obra de obsesiones, ilusiones y adicciones a las drogas. El film nos contaba la historia de 4 personajes: una pareja de jóvenes y su amigo en busca de una prospera vida basada en la venta y su consumo de droga, y una madre que intenta olvidar su soledad a base de su obsesión de participar en un programa de televisión y por ello adelgazar varios de kilos a toda costa. Impresionante y desgarradora obra de Aronofsky donde basada en una novela de Hubert Selby Jr. nos presentaba el descenso de los infiernos de unos personajes vulnerables y abocados al fracaso, el director describe la trayectoria de estos perdedores desde su inicio prometedor y de felicidad plena hasta enseñarnos sin ningún tipo de compasión sus últimas y drásticas consecuencias. Destacar la interesante interpretación de Ellen Burstyn (madre de la niña poseída en la mítica "El exorcista (1973) ") en su papel de viuda y madre obsesionada por su imagen, su gran papel le llevó a la nominación de los Óscar (en un año ganado por Julia Roberts en "Erin Brockovich"). Hago también mención de la exitosa pieza musical del film, por el que fuera componente del grupo británico de Pop will eat itsealf, Clint Mansell. Como curiosidad, algunos de los drogadictos que salen en la escena del supermercado se trataban de verdaderos yonkis que intervinieron a cambio de cocaína, dando mayor realismo a este momento del film.
Frase para recordar: "Convierte el mañana en algo positivo".
Título original: Requiem from a dream. Director: Darren Aronofsky. Intérprete: Jared Leto, Ellen Burstyn, Jennifer Connelly, Marlon Wayans.
Un clásico de las comedias de Billy Wilder (pero no de las mejores del director) donde contaba la historia de un neoyorquino que se queda solo en casa, tras la marcha de su esposa y sus hijos de vacaciones, en ese tiempo tendrá la tentación llamada Marilyn Monroe como vecina. Esta obra de Wilder (basada en una obra teatral de George Axelrod), quedaría marcada por la famosa escena de Marilyn y el vuelo de su falda en la boca del metro, una secuencia no exenta de polémica y censura, que fue del agrado de los asistentes del rodaje, menos del por entonces marido de la actriz, el jugador de béisbol Joe Dimaggio, siendo motivo de enfado que junto a la crisis que pasaba la pareja condicionaría la ruptura de la relación. El propio Gene Wilder haría un homenaje de esta escena en su película "La mujer de rojo (1984)" con Kelly leBrock. Tom Ewell, con su papel de tipo corriente que se enamora de su despampanante vecina, sería el actor elegido para acompañar a Marilyn, gracias a la fama que tuvo en su debut como actor secundario en el film de George Cukor, "La costilla de Ádan (1949)" y por ser el propio actor de la obra teatral en que se basaba el film, antes descartarían a actores como Gary Cooper (la productora no buscaban un perfil de actor tan galán) o del propio Walter Matthau (que tuvo todas las papeletas para ser el elegido, Wilder había dado el visto bueno al verle en la prueba de cámara que realizó, pero la productora también lo desechó por su escasa popularidad que tenía el actor por aquella época). Como curiosidad se llegó a pensar en un remake con Al Pacino en un papel protagonista, pero el actor lo desechó para realizar otro remake "El precio del poder (1983)".
Frase para recordar: "Hay tipos con los pies planos. Otros tienen caspa. Yo tengo imaginación.".
Título original: The Seven Year Itch Director: Billy Wilder Intérpretes: Marilyn Monroe, Tom Ewell, Evelyn Keyes.
Un clásico de las comedias de Billy Wilder (pero no de las mejores del director) donde contaba la historia de un neoyorquino que se queda solo en casa, tras la marcha de su esposa y sus hijos de vacaciones, en ese tiempo tendrá la tentación llamada Marilyn Monroe como vecina. Esta obra de Wilder (basada en una obra teatral de George Axelrod), quedaría marcada por la famosa escena de Marilyn y el vuelo de su falda en la boca del metro, una secuencia no exenta de polémica y censura, que fue del agrado de los asistentes del rodaje, menos del por entonces marido de la actriz, el jugador de béisbol Joe Dimaggio, siendo motivo de enfado que junto a la crisis que pasaba la pareja condicionaría la ruptura de la relación. El propio Gene Wilder haría un homenaje de esta escena en su película "La mujer de rojo (1984)" con Kelly leBrock. Tom Ewell, con su papel de tipo corriente que se enamora de su despampanante vecina, sería el actor elegido para acompañar a Marilyn, gracias a la fama que tuvo en su debut como actor secundario en el film de George Cukor, "La costilla de Ádan (1949)" y por ser el propio actor de la obra teatral en que se basaba el film, antes descartarían a actores como Gary Cooper (la productora no buscaban un perfil de actor tan galán) o del propio Walter Matthau (que tuvo todas las papeletas para ser el elegido, Wilder había dado el visto bueno al verle en la prueba de cámara que realizó, pero la productora también lo desechó por su escasa popularidad que tenía el actor por aquella época). Como curiosidad se llegó a pensar en un remake con Al Pacino en un papel protagonista, pero el actor lo desechó para realizar otro remake "El precio del poder (1983)".
Frase para recordar: "Hay tipos con los pies planos. Otros tienen caspa. Yo tengo imaginación.".
Título original: The Seven Year Itch Director: Billy Wilder Intérpretes: Marilyn Monroe, Tom Ewell, Evelyn Keyes.
Dalton Trumbo, (guionista destacado de películas como "Espartaco (1960)" y "Papillon (1973)") realizó el único film de su carrera basándose de una de sus propias novelas escritas. En ella, contaba la historia de un soldado que a causa de una bomba queda ciego y sordomudo a la vez que pierde todas sus extremidades, encerrado en la habitación de un hospital militar confundirá la realidad de la ficción. La película con una temática muy dura de digerir, no sólo realiza una fuerte crítica sobre el sinsentido de la guerra, sino que toca los temas de la religión y la eutanasia. Destaco el enfoque que realiza el director en el film , usando una fotografía en blanco y negro en las escenas que el protagonista permanece empotrado en la cama (que recrudece aún más los momentos de angustia) cambiando a una fotografía en color en los momentos de los recuerdos y las fantasías. En el cuadro interpretativo podemos ver como actor principal a un prácticamente desconocido Timothy Bottoms, en el papel de soldado mutilado, que debutaba ese mismo año con un pequeño papel en la interesante "La última película (1971)" de Peter Bogdanovich junto a Jeff Bridge, y a los actores Donald Sutherland y Jason Roberts en pequeños papeles secundarios, éste último como padre del soldado. Hago mención el terrible y cruel final, donde el protagonista indefenso trata de comunicar sus sentimientos mediante el código morse frente a la indiferencia de ciertos altos mandos. Como dato curioso, la banda Metallica realizó el videoclip de su canción "One" basándose en la película.
Frase para recordar: "No sé si estoy vivo y soñando o muerto y recordando".
Título original: Dalton Trumbo´s Johnny got his gun. Director: Dalton Trumbo. Intérpretes: Timothy Buttoms, Jason Roberts, Donald Sutherland, Marsha Hunt.
Trailer:
Información complementaria: Donald Sutherland Reseña escrita por Jesús Fariña
Dalton Trumbo, (guionista destacado de películas como "Espartaco (1960)" y "Papillon (1973)") realizó el único film de su carrera basándose de una de sus propias novelas escritas. En ella, contaba la historia de un soldado que a causa de una bomba queda ciego y sordomudo a la vez que pierde todas sus extremidades, encerrado en la habitación de un hospital militar confundirá la realidad de la ficción. La película con una temática muy dura de digerir, no sólo realiza una fuerte crítica sobre el sinsentido de la guerra, sino que toca los temas de la religión y la eutanasia. Destaco el enfoque que realiza el director en el film , usando una fotografía en blanco y negro en las escenas que el protagonista permanece empotrado en la cama (que recrudece aún más los momentos de angustia) cambiando a una fotografía en color en los momentos de los recuerdos y las fantasías. En el cuadro interpretativo podemos ver como actor principal a un prácticamente desconocido Timothy Bottoms, en el papel de soldado mutilado, que debutaba ese mismo año con un pequeño papel en la interesante "La última película (1971)" de Peter Bogdanovich junto a Jeff Bridge, y a los actores Donald Sutherland y Jason Roberts en pequeños papeles secundarios, éste último como padre del soldado. Hago mención el terrible y cruel final, donde el protagonista indefenso trata de comunicar sus sentimientos mediante el código morse frente a la indiferencia de ciertos altos mandos. Como dato curioso, la banda Metallica realizó el videoclip de su canción "One" basándose en la película.
Frase para recordar: "No sé si estoy vivo y soñando o muerto y recordando".
Título original: Dalton Trumbo´s Johnny got his gun. Director: Dalton Trumbo. Intérpretes: Timothy Buttoms, Jason Roberts, Donald Sutherland, Marsha Hunt.
Trailer:
Información complementaria: Donald Sutherland Reseña escrita por Jesús Fariña
Tobe Hooper, director de la brutal "La matanza de texas (1974)", dirigió este clásico de terror de los años ochenta que fue continuada con dos partes más, el film nos contaba la historia de una familia californiana que sufre en su casa el ataque de fuerzas paranormales malignas. La película que fue producida por Spielberg donde también realizó las funciones de guionista chocó con la idea de su director, este último buscaba un tono más fuerte y sangriento en el film, hecho que junto al enfado del propio director porque en el cartel de la película se viese su nombre más pequeño que el de Spielberg hicieron que sus relaciones no acabaran en buen puerto. La obra estuvo precedida de película maldita, durante las tres partes que tuvo la saga sufrieron las muertes de 4 de sus protagonistas, siendo el fallecimiento de Heather O`Rourke, la pequeña debutante actriz, la que más conmocionara por su corta edad (se le diagnostico como motivo de su muerte, obstrucción intestinal). De las escenas que mayores recuerdos tengo, el momento donde la niña apoya las manos sobre el televisor encendido o cuando unos de los parapsicólogos empieza a quitarse la cara dentro del baño (genial los efectos especiales de Industrial Light and Magic (empresa de George Lucas)), sin olvidarme de ese apoteósico final saliendo los esqueletos debajo de la casa (donde se rumoreaba que se trataban de esqueletos reales). Como curiosidad, antes de elegir a Heather O`Rourke como actriz de reparto se pensó en Drew Barrymore, vista anteriormente en su debut "Un viaje alucinante al fondo de la mente (1980)" y actriz que acabaría, ese mismo año, interpretando su papel más conocido de su filmografía, la niña amiga de "E.T. El Extraterrestre (1982)".
Tobe Hooper, director de la brutal "La matanza de texas (1974)", dirigió este clásico de terror de los años ochenta que fue continuada con dos partes más, el film nos contaba la historia de una familia californiana que sufre en su casa el ataque de fuerzas paranormales malignas. La película que fue producida por Spielberg donde también realizó las funciones de guionista chocó con la idea de su director, este último buscaba un tono más fuerte y sangriento en el film, hecho que junto al enfado del propio director porque en el cartel de la película se viese su nombre más pequeño que el de Spielberg hicieron que sus relaciones no acabaran en buen puerto. La obra estuvo precedida de película maldita, durante las tres partes que tuvo la saga sufrieron las muertes de 4 de sus protagonistas, siendo el fallecimiento de Heather O`Rourke, la pequeña debutante actriz, la que más conmocionara por su corta edad (se le diagnostico como motivo de su muerte, obstrucción intestinal). De las escenas que mayores recuerdos tengo, el momento donde la niña apoya las manos sobre el televisor encendido o cuando unos de los parapsicólogos empieza a quitarse la cara dentro del baño (genial los efectos especiales de Industrial Light and Magic (empresa de George Lucas)), sin olvidarme de ese apoteósico final saliendo los esqueletos debajo de la casa (donde se rumoreaba que se trataban de esqueletos reales). Como curiosidad, antes de elegir a Heather O`Rourke como actriz de reparto se pensó en Drew Barrymore, vista anteriormente en su debut "Un viaje alucinante al fondo de la mente (1980)" y actriz que acabaría, ese mismo año, interpretando su papel más conocido de su filmografía, la niña amiga de "E.T. El Extraterrestre (1982)".
