UN DÍA PERFECTO (2015). Conflicto en tierras bosnias.

Mambrú (Benicio del Toro), B (Tim Robbins) y Sophie (Mélanie Thierry)  en compañía de un traductor llamado Damir (Fedja Stukan) forman un grupo humanitario de una ONG que ayudan a los habitantes de Bosnia en pleno proceso de finalización de la Guerra de los Balcanes. Su actividad en el país, transcurre con relativa normalidad, hasta que encuentran un cadáver dentro de un pozo que imposibilita sacar agua en buenas condiciones a los habitantes del pueblo. Su odisea comienza cuando tratan de sacarlo con una cuerda y ésta se rompe. Y es que, mientras buscan una nueva cuerda que resuelva el problema, un sinfín de circunstancias empiezan a sucederles por el camino.

El madrileño Fernando León de Aranoa, es el encargado de dirigir esta sátira sobre los conflictos bélicos acontecidos en tierras bosnias basándose en la novela "Dejarse llover" de Paula Farias, donde nos narra el día a día de los equipos humanitarios y el importante trabajo que realizan éstos en ayudar a los más indefensos durante una guerra.

Desde sus inicios cinematográficos con "Familia (1996)", film donde ganaría el galardón de mejor director y guionista novel en los Premios Goya de aquel año, Aranoa siempre ha mostrado especial interés en exponer los problemas sociales ocurridos en nuestro país, bien los conflictos adolescentes en los entornos marginales en "Barrio (1998)", el problema del desempleo en "Los lunes al sol (2002)", el mundo de la prostitución en "Princesas (2005)" o las dificultades de los inmigrantes sin papeles en "Amador (2010)".

Con su nueva película, "Un día perfecto", Aranoa también prosigue con esa denuncia social pero esta vez centrándose en los problemas fuera de España, en concreto en los acontecidos en Bosnia. El realizador describe con su nuevo trabajo lo que sucede en un país atrapado por un conflicto militar y todos los obstáculos e injusticias que se encuentran los equipos de ayudas humanitarias en su lucha en el bienestar de las victimas. Exhibe con pelos y señales la ineficacia de las fuerzas del sistema en ayudar a los más perjudicados cuando ocurre una guerra. También saca a la luz (buscando lo poco positivo en un hecho como éste) el surgimiento de la generosidad y bondad humana en escenarios tan crueles como es un campo de batalla.

Para reducir el grado de dramatismo de la historia, Aranoa emplea en su película un humor cargado de ironía (la mayor parte a través de un alocado y a la vez divertido Tim Robbins), En cierta manera se agradece ese tono cómico (genial la llegada del grupo a un pueblo practicamente derruido y la infinidad de características que le dan, todas relacionadas con la cuerda) pero al mismo tiempo desentona en algunos momentos del film, ya que nos confunde en lo que realmente quiere el realizador que sintamos viendo su obra. Esos "zarpazos" humorísticos en algunas escenas que no lo requieren nos hace sentir perdidos en que estado emocional debemos estar. Ese detalle, hace para quien escribe esta reseña que "Un día perfecto" no sea una obra redonda, al igual que su elección musical, no por la calidad de los temas elegidos (donde se encuentra la potente versión "Sweet dreams" de Marilyn Manson) sino por el modo de aplicarlos, rompiendo el tono emotivo de las escenas. Como ejemplo la secuencia que buscan una pelota dentro de una casa y se encuentran con un desagradable suceso, que no quiero desvelar para no realizar spoiler.

En esta ocasión Fernando León de Aranoa, en su sexta película en su haber, se rodea de un reparto internacional (a excepción de la presencia de Sergi López, que personalmente no entiendo para que lo incluyó ya que su personaje tiene un rol insignificante y desperdicia el talento de este gran actor) y bastante atractivo para llevar a cabo su historia. En él se encuentra el todoterreno Benicio del Toro (que este año también lo vemos en "Sicario (2015)") ejerciendo el papel de Mambrú, el responsable de seguridad del grupo; Tim Robbins (últimamente algo alejado del mundo de la interpretación) como B (el encargado de logística), una persona que combina locura y cordura con un sutil sentido del humor sarcástico; la francesa Mélanie Thierry que da vida a Sophie, la joven e inexperta del grupo, y donde su impulso en busca del bien para los habitantes le lleva a tomar decisiones equivocadas; Fedja Stukan como Damir (el intérprete local), un personaje que entiende más que nadie los problemas que hay en su país. Completando un reparto tan diverso internacionalmente tenemos la figura de la ex-chica Bond, Olga Kurylenko, como la supervisora que controla al grupo humanitario y con quien tuvo en el pasado una aventura sentimental con Mambrú. Un personaje que poco aporta a la historia, si no es por su cara bonita y el simple hecho de provocar ese tono romántico-conflictivo con el protagonista principal.

Un día perfecto, ha sido nominada en 8 categorías, entre ellas mejor película, en la próxima gala de los Premios Goya (puedes ver aquí todas las nominaciones).

Director: Fernando León de Aranoa.

Intérpretes: Tim Robbins, Benicio del Toro, Olga Kurylenko, Mélanie Thierry, Fedja Stukan, Eldar Residovic, Sergi López.

Trailer:

Reseña escrita por Jesús Fariña

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EL ESPANTAPÁJAROS (1973). Los perdedores de Jerry Schatzberg.

En un momento del filme Lion (Al Pacino) le pregunta a Max (Gene Hackman)  por qué lo aceptó como compañero de viaje, y el otro le responde porque fue el único que cruzó el camino para encender su cigarrillo.

Una película incomprensiblemente olvidada, inexplicablemente desconocida para el gran público, pero gratamente amada por quienes tuvimos la suerte de verla alguna vez.  El espantapájaros  relata la historia de Lionel un ex marino que abandonó por cobardía a la mujer que amaba cuando ella le reveló que estaba embarazada, ahora con un paquete bajo el brazo, una lámpara, le irá bien tanto si es niño o niña, que intenta recuperar el tiempo y los amores perdidos, y Max, un ex convicto endurecido por la vida, gruñón, pendenciero y solitario que pretende con sus ahorros  poner una lavadora de autos que le dará fortuna. Los dos se encuentran pidiendo aventón en una carretera californiana con dirección al este, al principio compiten por ser recogidos pero finalmente se unen y en el largo camino qué mejor que ir acompañados. Lionel es ingenuo, tal vez hasta algo limitado intelectualmente pero divertido y de buen corazón, Max es arisco pero práctico, lleva tanta frustración como ropa sobre él, desconfía de todo aunque en el fondo lo que necesita es un amigo.

Viajeros, ya sea como autoestopistas o polizones, el mayor fija su destino a Pittsburg, el joven a Detroit. Tras unos primeros momentos en que ambos personajes chocan, las largas horas de espera en medio de ninguna parte acaban por acercarles gracias a la insistencia de un simpático Lionel que va haciendo bromas y explicando chistes, hasta que consigue despertar algo en el rudo y frío Max, que hasta entonces se había mostrado desconfiado y distante. Esa primera chispa de complicidad hará que se acaben decidiendo a compartir parte del camino juntos, y no mucho después le propondrá al bueno de Lionel que sea su socio en el negocio que tiene en mente.

En este antiwestern (porque el sentido del viaje es inverso a aquel de los pioneros, como si el sueño americano estuviera al otro lado) nuestros antihéroes inician un periplo en donde adivinamos no hallarán lo que buscan sino algo distinto. En el camino el carácter efervescente de Max los involucra en una pelea que los lleva a la cárcel en donde un recluso intenta abusar sexualmente de Lion pero es salvado por el primero,  al salir de prisión  la escasez de dinero hace que visiten a la hermana de Max y éste viva un instante de pasión con Frenchy (Anne  Wedgeworth, ¿recuerdan la vecina acosadora de Jack Tripper en Three`s Company?) y sea el inmenso instante cuando Gene Hackman realice el primer striptease de su vida y su personaje aligere vestuario y a la vez el peso existencial.

El propósito de esta jornada es la interrelación humana, estudiándola  desde varios ángulos para poder desarrollar la historia de estos dos vagabundos. De esta forma al inicio de la película se centra en mostrarnos como se genera una relación entre dos desconocidos que por azares del destino coinciden en medio de ninguna parte, pasando del recelo inicial, a una cierta tolerancia posteriormente, más adelante una cierta camaradería cuando comparten sus primeras vivencias, para finalmente dejar paso a la aparición de la verdadera amistad e incluso de una dependencia con el otro.

Una película de grandes interpretaciones. Gene Hackman había ganado el Oscar 2 años antes y venía de La aventura del poseidón (1972),  aquí realiza si no la actuación de su vida, al menos mi favorita. Al Pacino comenzaba a hacerse un lugar en el cine, había sido recientemente laureado por El Padrino (1972) y era convocado por Schatzberg nuevamente después de haberlo descubierto en Pánico en Needle Park (1971), aquí encarnaba a un sujeto débil deseoso de aprobación y cobijo, alguien que de antemano sabemos que saldrá derrotado si no encuentra apoyo. Una simbiosis en la que él beneficiado es el film, y de paso el público.

El papel del malo fue realizado por un actor especializado en ese  registro, un inolvidable Richard Lynch en el que parece ser su primer rol importante. Por ahí estaba Eilen Brennan no recuerdo qué hacía, pero estaba ahí.

A Jerry Schatzberg, fotógrafo de profesión, no le fue muy bien en el cine. Fue esta su mejor incursión que hasta ganó la palma de Oro en Cannes, pero después no destacó, hizo una que otra pieza interesante pero nunca se acercó a la calidad de esta obra. A propósito, a Roger Ebert la película no le gustó, dijo que aquel viaje ya lo habían hecho antes, que molestaba visualmente a pesar de Schatzberg  y el cinematógrafo, Vilmos Zsigmond, pues había demasiada luz para una historia sombría, y que los personajes eran tan conscientes de su simbolismo a que hasta se atrevían a filosofar con el significado del espantapájaros: El monigote no está para causarte miedo sino para provocarte risa.

Pues mi querido Roger, lamento no estar de acuerdo contigo. Podrá tener sus imperfecciones pero para mí los años la han ido puliendo y observándola a 40 años de su estreno es una joya.

Título original: Scarecrow.

Director: Jerry Schatzberg.

Intérpretes: Al Pacino, Gene Hackman, Dorothy Tristan, Ann Wedgeworth, Richard Lynch, Eileen Brennan.

Trailer:

Escena:

Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

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IMPOSIBLE AMOR (2003). La clausura cinematográfica de Armando Robles Godoy.

Final filme del maestro Armando Robles Godoy, trabajo que clausura la que es muy probablemente la andadura cinematográfica más brillante que nuestro país ha podido producir, un auténtico compendio de todas las preocupaciones artísticas, obsesiones, miedos y, en suma, la vida misma del director. Una cinta que llamó cierta atención, y  quizás más de la cuenta, en el hecho que el cineasta dejó de trabajar para esta su última creación con el formato tradicional de filmación, renunció a un rodaje propiamente, para grabar en formato digital, la tecnología, el nuevo milenio, había alcanzado a nuestro querido Armando. Para esta oportunidad el cineasta nuevamente se convierte en autor completo de su obra, escribe el guión de la película, que, como el título nos va desvelando, nos hablará sobre amor, pero no cualquier amor, sino amores mutilados, amores imposibles, truncados o inalcanzables, rozando la enajenación incluso. Se configura un bello relato de las vicisitudes que atraviesan unas personas en tres circunstancias distintas, una reportera que va a entrevistar a un personaje al que aborrece, pero de quien se terminará enamorando y teniendo intensos y repetidos encuentros sexuales; un infante recibe clases de piano de un hombre, el infante a su vez es prohibido por sus padres de frecuentar a su abuelo; una joven mujer tiene una obsesión, casarse con un monaguillo, un joven religioso, y le pide incansablemente el milagro a San Antonio. Evidentemente impregnada por las revoluciones de la tecnología y del nuevo formato escogido para filmarse, la cinta no deja de tener todos los elementos propios del cine de Robles Godoy, todos los elementos que el conocedor de su obra sabrá identificar y apreciar plenamente.

Un hombre (Javier Echevarría), sentado frente a su computadora, al amanecer, no ha sido capaz de escribir nada, mientras una mujer, (Mónica Sánchez) rememora una vivencia; vemos al niño Sebastián (Kenji Torres Mur), tocando el piano, luego está junto a su abuelo. La mujer recuerda cómo se le asignó tener que entrevistar al sujeto inicial, poeta a quien ella desprecia. Veremos después a Isabel (Vanessa Robbiano), joven que, inverosímilmente, dialoga con su pequeña imagen de San Antonio, le pide que le haga el milagro de casarse con un seminarista. Se acerca la entrevista, mientras Sebastián aprende con su maestro (Enrique Victoria), e Isabel continúa pidiendo insistente su milagro, habla con San Antonio. Los padres de Sebastián le prohíben que pase tiempo con su abuelo, pero el niño no obedece; la entrevista se da, la reportera ve al poeta que detesta, y tienen una instantánea atracción. Por su parte, la persistente Isabel parece recibir lo que pedía, conoce a su seminarista, pone de pie a su figura de San Antonio, para luego descubrir que es el propio santo (Giovanni Ciccia). El maestro de piano tiene a su vez incesantes visiones de un fantasma femenino (Gianella Neyra), con quien finalmente tiene un contacto. Reportera y poeta tienen sexo, Isabel hace lo propio con su Antonio, el abuelo de Sebastián muere. Es el final, el poeta termina de escribir, una carta a la reportera; Isabel y Antonio se van juntos.

Robles Godoy comienza su última película de una forma a la que nos tiene acostumbrados, y así veremos las imágenes iniciales, como suele ser usual en Robles Godoy, que nos proporcionan un collage audiovisual, y debidamente bien encuadrado, con una perspectiva central, observaremos a unos amantes de aspecto fantasmagórico, se nos muestra también un poderoso e intenso incendio -el filme por cierto está dedicado el verídico incendio que años atrás devastó el Teatro Municipal de Lima-, y una mujer desnuda que está sentada frente a un piano, pero no ejecuta, todo esto acompañado por imágenes urbanas. Como se dijo, esta fue la primera -y única- cinta que Robles realizó con el formato digital, renunció a las latas con metros de película y a los formatos de 35 mm, y ciertamente el nuevo formato escogido proporciona otro aspecto, más pulido, de mayor nitidez al acabado final comparado con obras previas -algo no demasiado difícil si recordamos las dificultades de mantenimiento y preservación de los anteriores trabajos de Robles Godoy-, y en líneas generales, ciertos efectos visuales convierten a la presente película en indiscutiblemente su obra más moderna, algo obvio, sí, pero que debe tratarse con cuidado, debido a aspectos que más adelante mencionaré. Observamos asimismo un atractivo coqueteo teatral, reservado a las secuencias en que los padres comen con Sebastián, prohibiéndole en una oportunidad ver a su querido abuelo, pues la madre tiene sospechas de la exacta naturaleza de esa relación, y es a esas secuencias de restricción, de rigor prohibitivo, que se le asigna ese tratamiento teatral. En ese lóbrego ambiente la oscuridad lo plaga todo, no hay luz dice la madre, y lo único que vemos en ese umbroso ambiente es la mesa, los padres discutiendo, y el niño sollozando, y hasta un público que aplaude, una característica apreciable a la hora de acercarse al arte que uno realiza, es como mirar desde lejos y reflexionar sobre la actividad, en este caso el arte, que se ejecuta, es una característica asimismo común a muchos otros grandes realizadores internacionales, y algo acorde con la dedicatoria de la cinta. Esto de cierto modo se complementa con Robles Godoy dándose una suerte de auto guiño, se graba a sí mismo en la gloriosa Universidad Nacional Mayor de San Marcos -donde dicho sea de paso se formó quien escribe-, donde departe junto al poeta sobre la problemática y decadencia de la cinematografía actual, y de la identidad de nuestro arte cinematográfico en el Perú; otra vez, vemos al maestro hablar sobre su arte desde adentro de su arte, la madurez alcanzada por el cineasta es evidente.

Otro de los temas, o características, capitales de toda la creación cinematográfica de Robles Godoy se hace presente, y por supuesto que no podía ser de otra forma: la mezcla de dos espacios distintos, tanto pasado y presente, como realidad y sueño, y onirismo. Para nadie que conozca la obra de Armando será esto sorpresa, ni mucho menos, sino más bien una obviedad, es algo indisoluble de su creación artística esa tendencia suya a disolver líneas divisorias de espacio-tiempo, y de realidad-alucinación, era pues inevitable que sucediera una vez más en esta cinta, y el maestro nuevamente deambula entre ambos mundos con una soltura solo al alcance de los dómines. Es esta cinta un bello compendio, como se dijo líneas arriba, de muchas de las preocupaciones y obsesiones del director, como artista y como ser humano, apreciaremos entonces su particular concepción de soledad (véase Sonata Soledad (1987), su cinta inmediatamente previa, si bien lejana cronológicamente, estrechamente vinculada en cuanto a temas y tratamiento), otro de sus temas capitales, la soledad de todos los personajes, hambrientos de amor, pero finalmente solos, aislados, separados de todo en su hermetismo; y por supuesto la religión, retratada de un modo bastante más obvio, pero no por ello menos atractivo, y veremos la obvia alegoría de Adán y Eva, Isabel y Antonio, juntos y desnudos, y en ese sentido, es impresionante el enfoque que Robles Godoy hace de este tópico. La joven obsesa tiene sexo con el santo, le brinca encima, lo convierte en un ser carnal,  terreno, lo despoja de su calidad de santidad, ya no vemos al cineasta dudar, o debatir recordando viejas experiencias a la religión ligadas, ahora nos muestra un pintoresco boceto de su concepción, de su reflexión de religión, en el mundo actual, fundida pues con la enajenación, con lo carnal; vemos otra vez al cineasta reflexivo. Otro elemento también siempre presente en el cine de Armando, viene a ser la carga sexual, carga en este caso dejada para el final, en la que mucha carne se observará, intensos coitos, desnudeces plenas, Vanessa Robbiano, Giovanni Ciccia, entreverados en intensas y carnales circunstancias. Pero si una secuencia merece párrafo aparte, si el maestro deja para el recuerdo su apetito sexual visual en su máxima expresión, es con la reportera y el poeta, Mónica Sánchez literalmente se entrega en cuerpo y alma a su labor actoral, Javier Echevarría únicamente es un acompañante -privilegiado por cierto-, pues la fémina se vuelve una fiera, configurando una secuencia referencial en cuanto a secuencias de sexo en el cine se refieren.

Prosiguiendo en esa línea, Gianella Neyra se convierte en la encarnación del amor, pero también del deseo, de la carne, ella es una suerte de omnipresente personaje, ella deambula por todos los escenarios del filme y en los más diversos papeles y situaciones. En un filme que desborda sensualidad y plasticidad, ella se nos presenta, entre otras muchas cosas, como vendedora de fruta, ella misma es un fruto, fruto carnal, que se huele, que se saborea, el simbolismo es bello, y la veremos además como oficial de policía, son solo algunas de tantas apariciones suyas, y a través de fotos también se hará presente. Ella pues lo impregna todo, sentada encima del piano mientras su admirador, o recordador, toca, la musa inspiradora e inalcanzable ocupa situación significativa, a la vez que el admirador toca la triste balada del amor pasado, del imposible amor, "Debo decirte adiós", letra y música por cierto obras del propio Armando; la potencia en el apartado musical termina de configurarse con la inclusión de gigantes musicales de la talla de Mendehlsonn, o Bach y su hermosísimo cello, fuerza musical que termina de encuadrar la cinta. El filme contiene algo que a mi juicio sí podemos considerar novedoso en el arte de Armando, y viene a ser la dosis cómica en el filme, encarnada básicamente en la figura de Isabel, y veremos a Vanessa Robbiano en singulares circunstancias, ella está completamente enajenada, obsesa con su milagro, por momentos inocente, por momentos tonta, de algo no hay duda, de su intensidad, de su fuego, de su carnalidad, husmea bajo la túnica del santo, pone de cabeza a la figura religiosa, y ella, junto al maestro de piano, es uno de los conductos hacia lo irreal, hacia el onirismo, fornicando intensamente con San Antonio, fundiendo éste la realidad y la fantasía del director. Ese otro elemento, ese otro conducto entre un mundo y otro es pues el maestro de piano, que se debate entre la realidad urbana y las alucinaciones de su fantasma, él, el introvertido y sensible artista, que a través de su música y letra nos va diagramando mucho del filme, nos introduce en su propia psiquis, jugando con la melodía, con el relato, con la plasticidad del mismo, con los personajes, teniendo finalmente un contacto con esa fantasmagórica materialización, él e Isabel son los pilares que nos guían en la travesía entre ambos mundos, el universo de Robles Godoy. 

Para terminar de redondear ese apartado, constituye el personaje de Gianella Neyra, el fantasma anónimo, asimismo parte de la secuencia a mi juicio más hermosa del filme, el maestro de piano finalmente se encuentra y contacta con su omnipresente recuerdo, y nos habla sin palabras, como los mejores cineastas nos hablan, se nos muestra esa circunstancia, en el cementerio, lugar que nos insinúa algo, pérdida, pasado, lejanía y cercanía se reúnen, lo inalcanzable por fin se hizo alcanzable, la imagen, el sonido, el paquete audiovisual se convierte en todo, prescindimos de las palabras, no las necesitamos, el cine no tiene en la palabra un ladrillo indispensable para la construcción, y con unos agradables encuadres, agradables planos generales, zooms y travellings diversos, y un abundante verde, apreciamos a la irreal pareja al fin junta, en el cementerio, probable símbolo de su separación, ellos se toman la mano… quizás el amor no es tan imposible después de todo. En cuanto a figuras, repetidas veces nuestro cineasta nos mostrará atardeceres, ocasos, puestas de sol, tan sencilla como potente belleza, y nuevamente hallamos poderoso simbolismo, Armando Robles Godoy nos habla, nos habla por supuesto en su lenguaje, audiovisualmente, esos atardeceres nos hablan de alguien que ha recorrido ya mucho camino, alguien que siente ese atardecer como una cálida y tierna imagen de su vida, de su actualidad. Como detalle agradable, vemos que Sebastián, tras haber ya aprendido bien y dominar el piano, toca con soltura, para después, junto a su abuelo, mostrársenos otro ocaso, una vida va culminando, pero otra va empezando, la posta ha sido pasada. Asimismo el filme desliza un tibio homenaje a Chosica, tierra que vio al propio director dar algunos pasos, donde conoció a su esposa, y a donde regresó décadas después, para corroborar con cierta tristeza los notables cambios que había sufrido la localidad. El director impregna pues a su obra de su propia vida, de su propia humanidad, algo que siempre dota al arte de mucha mayor fuerza, le insufla esa fuerza que la eleva a algo más que una mera obra de arte. Quisiera terminar señalando el tema antes aludido, es la forma en que más de una vez he leído cómo se juzga esta cinta debido al soporte en que se filmó, el digital, la forma en que se critica que Armando la haya producido en formato digital, en vez del tradicional soporte, celuloide, inclusive se le atiza que CONACINE, la entidad reguladora de la actividad cinematográfica en el Perú, le otorgó un premio para filmar justamente en celuloide, cosa que Armando no hizo. Armando se arriesgó, experimentó, él es una figura única en el firmamento cinematográfico peruano, su decisión no me parece desacertada, no me parece que naufrague su proyecto por esa elección, mala o buena; me parece una cinta bella la ahora comentada, el compendio artístico de una de nuestras mayores luminarias artísticas, y en cuanto a cine, la mayor. Una lástima que tantos críticos locales, desde Ricardo Bedoya, hasta Desiderio Blanco, pasando por otros autores, no le concedan la grandeza debida. Armando Robles Godoy nos abandonó físicamente hace unos años, pero nos deja para siempre su legado artístico, a través del cual nos hablará para siempre, y que tiene en este trabajo un hermoso corolario. Hasta siempre, maestro.

más películas de Armando Robles Godoy

Director: Armando Robles Godoy

Intérpretes: Mónica Sánchez, Javier Echevarría, Gianella Neyra, Enrique Victoria, Vanessa Robbiano, Jaime Lértora, Delba Robles.

Película completa:

Reseña escrita por Edgar Mauricio

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TIERRA Y LIBERTAD (1995). La Guerra Civil Española por Ken Loach.

En 1939 el director, novelista y político francés André Malraux firmó uno de los más interesantes films sobre la Guerra Civil Española, "L'espoir" (Sierra de Teruel) que aún siendo en gran parte un vehículo propagandístico  del por entonces Gobierno Republicano ocupa junto con Tierra y Libertad de Ken Loach un lugar privilegiado dentro de las filmografías sobre la contienda. Con ello no quiero decir que las películas españolas que han tratado el tema sean siempre inferiores en calidad, de hecho encontramos un buen puñado de títulos interesantes, pero la gran cantidad de obras que se centran en la Guerra Civil dejan bastante que desear o están muy influenciadas por uno u otro bando hasta el punto de que en la actualidad sea un tema casi tabú en nuestro cine.

Tierra y Libertad en régimen de coproducción con Gran Bretaña, Alemania, Italia y España, cuenta con un amplio elenco de actores españoles (Iciar Bollaín, Rosana Pastor,..) así como de otros países y en el film se puede escuchar a cada uno expresándose en su idioma, fiel reflejo del apoyo voluntario de Las Brigadas Internacionales. Es el caso de David Carr (Ian Hart), protagonista de la cinta, desempleado británico y miembro del Partido Comunista, que cruza la frontera catalana y casualmente acaba alistado en las filas del Partido Obrero de Unificación Marxista (POUM). Está convencido de que hay que ayudar a los republicanos españoles en su lucha contra los nacionales fascistas y que en caso de ganar, el triunfo se extenderá a otros países. Él, al igual que sus compañeros del POUM, donde luchan juntos hombres y mujeres, son ejemplo de la revolución social que perseguían junto a otros muchos movimientos obreros como CNT,FAI, en oposición a la militarización y fines puramente bélicos de los demócratas republicanos apoyados por la Unión Soviética. De hecho Ken Loach se muestra mas interesado en reflejar este conflicto interno, como demuestra la secuencia basada en un hecho histórico como es la sangrienta lucha entre republicanos y anarquistas por controlar el edificio de Telefónica en Barcelona en 1937.

Otra escena de la película que revela los intereses de Loach está situada en la parte central del film; en ella y de manera casi documental asistimos a una asamblea celebrada en un pueblo que las milicias del POUM han logrado arrebatar a los fascistas. Los milicianos están presentes en la asamblea pero solo opinan al ser preguntados y dejan las decisiones en manos de la gente del pueblo. El debate se centra en una votación para colectivizar las tierras, para ello hay que empezar por abolir la propiedad privada y que todos los implicados en el triunfo tengan igual derecho a ello. Los diálogos de esta escena crucial son casi improvisados y da la impresión de asistir a una verdadera asamblea de un pueblo que finalmente votan a favor de colectivizar la tierra, ante las lógicas dudas de uno de sus vecinos que ha logrado poseer algunas parcelas con años de duro trabajo.

Narrada en flashback mediante el descubrimiento por parte de la nieta de David (Suzanne Maddock) y tras su muerte, ya anciano, de cartas, periódicos y fotografías que son realmente las que van contando la historia y lo que él vivió. La película está claramente inspirada en el relato de George Orwell "Homenaje a Cataluña (1938)", escrito en primera persona que cuenta su experiencia como voluntario en las filas del POUM antes de la supresión de éste por el Partido Comunista, hecho que queda bien reflejado hacia el final de Tierra y Libertad, donde los milicianos son obligados a entregar las armas e incluso arrestados después de haber sido figuras clave en la lucha contra los fascistas mediante la liberación de un buen número de pueblos. 

Título original: Land and Freedom.

Director: Ken Loach.

Intérpretes: Ian Hart, Icíar Bollaín, Rosana Pastor, Tom Gilroy, Marc Martínez, Frédéric Pierrot, Sergi Calleja, Raffaele Cantatore.

Trailer:

Escena:

Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

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ZULÚ (1964). La gran batalla colonial de Cy Endfield.

23 de Enero de 1870. Un destacamento británico de 140 hombres al mando de dos tenientes (interpretados por Stanley Baker y Michael Caine) se dispone a recibir el ataque de 4.000 guerreros zulúes.

Dejando al margen los intereses y motivaciones que salpican cualquier guerra, hay enfrentamientos, que aislados en su contexto puro y duro, ilustran brillantemente las extraordinarias y a veces repugnantes acciones que tienen lugar durante una batalla encarnizada. La batalla de Rorke´s Drift es uno de ellos.

Contemplemos como Cy Endfield nos prepara para la batalla. Veamos como la superioridad numérica aplastante de los zulúes hace girar los engranajes de la estrategia de los asediados. Observemos el notable potencial de fuego británico frente a las lanzas y escudos atacantes. Dudemos junto con los oficiales al mando de si tal potencia será suficiente para frenar siquiera, al enemigo. Confraternicemos con los soldados rasos y los tullidos de la enfermería, ignorantes de su futuro rol de tropas de refresco en la masacre que se avecina. Oigamos brevemente sus historias y anotemos sus manías y virtudes. Pero hagámoslo someramente, con sobriedad Inglesa porque como decía Benjamin Franklin "Vd. puede tardar, pero el tiempo no lo hará".

"Primera sección: Fuego!

Segunda sección: Paso al frente!

Primera sección: Carguen!

Segunda sección: Fuego!"

Y así, en el selecto tablero que comparten unos pocos eventos ciertamente desequilibrados en cuanto a proporción de fuerzas,Zulú nos da un curso completo de maximización de recursos mortíferos en una batalla. Presentados los contendientes, detallados unos y mas emborronados los otros quizás por su excesivo número, la película nos lleva al centro del combate que se erige ya en Protagonista Absoluto. El sangriento espectáculo nos agarra por el cuello y repartimos munición o ayudamos a ponerse en pie a cualquier enfermo o herido capaz de empuñar un arma. Ensuciamos de sangre y polvo las casacas rojas.Vemos como la flema británica de los oficiales salta por los aires. Oímos los gritos de guerra de la próxima oleada de atacantes.

El mayor mérito de Zulú es que además de plasmar soberbiamente el enfrentamiento, consigue participarnos del agotamiento, tristeza y finalmente asco que produce, incluso en el bando vencedor, ver las obscenas montañas de cadáveres que han heredado, ellos y no otros, en sus consciencias. En ese momento, casi nos avergonzamos de haber disfrutado de ese "espectáculo" que ha tenido nuestra mirada clavada en la pantalla durante mas de dos horas mientras jaleábamos a uno u otro bando desde el patio de butacas. Y es que Rorke´s Drift fue una gran batalla. Y una gran carnicería.

Michael Caine, que debutaba con un papel protagonista, realizó según Endfield "la peor prueba de casting que nunca había visto" pero lo contrató igualmente por premuras de tiempo y no tener un recambio disponible. Caine, concretó al fin un papel brillante con su mezcla de altanería y nerviosismo y "Zulú" le abrió definitivamente las puertas hacia papeles ya plenamente estelares. La leyenda dice que los miles de extras sudafricanos no llegaron a cobrar dinero por su aparición en la película siendo recompensados con ganado y materiales del atrezzo. Esta información fue desmentida posteriormente.

Director: Cy Endfield.

Intérpretes: Stanley Baker, Michael Caine, Jack Hawkins, Ulla Jacobsson, James Booth, Nigel Green, Ivor Emmanuel.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por George Suckelectronic

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DANTON (1982).Los últimos días de George Jacques Danton.

Film histórico del polaco Wajda, realizado dentro de su línea crítico biográfica, centrándose en un episodio clave de la Revolución Francesa. Arranca en los años de la Convención y analiza el proceso contra Georges-Jacques Danton (Gerard Depardieu) y su ejecución en la guillotina, junto al resto de herbetistas, partidarios de Jacques René Hébert, uno de los revolucionarios más radicales que exigió la eliminación del cristianismo y propuso el culto a la razón; llevado a cabo por orden del autoritario y dogmático Robespierre en 1794 en la época del Terror.

Para situarnos un poco en el contexto de la época, y sintetizando muchísimo: la situación del estado francés en 1788 era sumamente precaria; el país, que contaba con 22 millones de habitantes, era una nación rica, aunque el Estado era pobre, poseía un déficit de 125 millones de francos. La Asamblea Constituyente elabora una Constitución: separación de poderes, abolición del régimen feudal, Derechos del Hombre y del Ciudadano, a imitación de la norteamericana…etc. El rey Luis VXVI es guillotinado. Ese mismo año se produce un golpe de Estado de los jacobinos (eran del criterio de que la Revolución debías realizarse primero en Francia para que, una vez triunfante allí, pudiera exportarse a otras naciones) encabezados por Robespierre, llamado "el incorruptible", una especie de tirano fuerte frente a la anarquía del poder ejecutivo y trata de encauzar las conquistas revolucionarias en un solo ser. Toda esta etapa pertenece a la parte más radical y exaltada de la Revolución.

Danton es una coproducción franco polonesa; con guión de Jean Claude Carrière, inspirado en la pieza "L’Affaire Danton (1929)" de Satanislawa Przybszewska es una película sobria, posee una notable reconstitución histórica. Su parte más brillante es también la más polémica, al reivindicar el personaje de Danton contraponiéndolo a Robespierre, al hacer prevalecer el valor simbólico sobre el significado histórico. Danton representa a la democracia occidental y Robespierre, a su manera, representa a los países del Este. Para conseguir esto, Wadja se sirve colocando la cámara a la altura de los ojos, utiliza pocos objetivos diferentes y colores muy fríos en su fotografía de la mano de Igor Luther. Como si Wajda esperase del espectador una objetividad en su visionado.

La interpretación y creación de tipos es magnífica, si bien el relato puede resultar algo discursivo y le pesa algo el lenguaje televisivo para el que también fue coproducida. Así, el propio Wajda manifestaba, a propósito de la película: "He querido mostrar la Revolución Francesa por la polémica que siempre ha existido en Francia entre el "pathos" y la retórica, entre la histeria y la desesperación, todo se desarrolla entre la vida y la muerte". Wajda, director y guionista polaco, hijo de una profesora y un militar polaco. Este último murió asesinado en la masacre del bosque de Katyn a manos del ejército soviético de Stalin en la Segunda Guerra Mundial tras la invasión nazi de Polonia Este suceso fue recreado por Wajda en el año 2007 en la película "Katyn". Después de esta tragedia Andrzej combatió contra los nazis en su adolescencia antes de estudiar pintura y más tarde cine en la Escuela Nacional de Cine de Lodz.

El film es un buen ejemplo del ritmo de la Revolución, se pasa de la excitación más extrema, a la postración más absoluta y muestra una verdad universal sobre el crimen cometido en nombre de la ideología; el enfrentamiento de los dos personajes tan antagónicos, pues, es tan problemático, como el que ahora vivimos.

Director: Andrzej Wajda.

Intérpretes: Gérard Depardieu, Wojciech Pszoniak, Anne Alvaro, Roland Blanche, Patrice Chéreau, Emmanuelle Debever, Krzysztof Globisz, Ronald Guttman, Gérard Hardy,Tadeusz Huk, Stéphane Jobert.

Escena:

Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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NEBRASKA (2013). El premio de Bruce Dern.

Woody Grant (Bruce Dern) aparece deambulando solo por una autopista . Un oficial de policía lo recoge y le advierte del peligro de caminar entre los coches, un riesgo que nuestro protagonista parece ignorar. Está completamente ensimismado por la noticia que acaba de recibir: ¡¡Ha ganado un millón de dólares!! La única pega reside en que debe recogerlos bastante lejos de su pequeña localidad de origen y para ello debe dirigirse hacia otro Estado, por lo que no desea perder ni un segundo más de su tiempo.

Mientras tanto, su hijo David (Will Forte) recibe una visita de su ex-novia Noel (Missy Doty), para informarle de su ruptura. Una importante conversación que se ve interrumpida por una llamada de la madre de David, Kate (June Squibb), la cual le informa que su padre se encuentra en comisaría. Cuando David rescata a Woody en la estación de policía, tarea que el hijo asume con naturalidad, descubre las verdaderas intenciones de su padre. El anciano, bastante mermado físicamente, le transmite de forma pertinaz a su hijo su ilusión y su gran urgencia por recuperar el dinero del premio. Tan sólo necesita llegar hasta Lincoln (Nebraska).

Desde el primer momento, su hijo se percata de que se trata de un malentendido por parte de su padre, el cual va vociferando por todo el pueblo que ya es rico. Su hijo, en un primer momento intenta convencer a su padre y devolverlo a la realidad. Sin embargo, al llevarlo de vuelta a su hogar negándole la ayuda para el viaje, el recibimiento y el trato que su madre le da a su propio padre le hará cambiar de opinión. Quizá influido por su reciente fracaso de vida en pareja, se da cuenta de la mala relación que existe entre sus padres, de las permanentes quejas de su madre por la mala vida que le ha dado el alcoholismo de su padre, tratándolo como un inútil y recordándole que tiene ya muy mermadas sus capacidades mentales. Es una vuelta a la realidad demasiado brusca, demasiado cruel y, en un momento de compasión, observando a un anciano desvalido, cambia completamente de opinión, decide llevarle la corriente, mantenerlo en su feliz fantasía e incluso ayudarlo a que lleve a cabo su sueño. Juntos iniciarán un largo y enriquecedor viaje por carretera, atravesando las zonas más rurales del país. El hijo mantendrá una mentira para satisfacer a su padre y el padre, no cejará en su poderoso empeño de recuperar el dinero que le corresponde.

David es el menor y menos brillante de los dos hijos varones, pero su bondad y paciencia para con su progenitor transmiten emociones que atraviesan la pantalla. David , con su personaje de perdedor (ha perdido su pareja, su trabajo es un desastre), es la única alma sensible del relato capaz de hacernos llegar hasta el escondido corazón de un viejo inicialmente criticado por su vida de alcohólico, incapaz de haber tenido ahorros en toda su vida para proteger a su familia, actualmente convertido en un anciano con problemas de memoria, dificultad para caminar y para valerse solo, que representa un estorbo para todos. Tampoco los recuerdos de infancia de sus hijos junto a él son gratos y siempre están marcados por los desastres y su tendencia a beber.

Envuelto en su pérdida de memoria, con sus ataques de tozudez incomprensibles para todos, será este viaje por carretera junto con su hijo el que nos permita descubrir el verdadero pasado y los motivos por los que este anciano nunca ha tenido ahorros y se ha abandonado tanto en la bebida. Durante el viaje por carretera habrá grandes silencios y escasos diálogos. Visitarán de camino a su objetivo a diferentes familiares y volverán al lugar donde una vez, Woody fue un joven y talentoso mecánico, siempre dispuesto a hacer favores, siempre dispuesto a prestar dinero.

Su hijo David se convertirá en un traductor de recuerdos, en un ensamblador de las diferentes piezas de un pasado que ha sido enterrado junto con la dignidad de un hombre. Los diferentes acontecimientos que surgirán por el camino, y especialmente, el descubrimiento de los peculiares personajes del pasado familiar pertenecientes a la américa más rural y profunda, transformarán el mundo y el concepto que tiene de su padre. Iremos descubriendo las buenas e inocentes intenciones de este anciano en su juventud, la crudeza de la vida rural y la dificultad de cultivar el espíritu en ese ambiente donde la hostilidad es la moneda de cambio en las relaciones familiares.

Todas las incógnitas que David descubre sobre su padre le permitirán cambiar radicalmente el concepto de su progenitor y, al mismo tiempo, le servirán para mejorar el concepto que tiene de sí mismoTodo un viaje en el amplio sentido de la palabra, por las carreteras rurales y por los recuerdos perdidos, que al ser rescatados le devuelven la dignidad a un anciano y a su buen hijo.

Elaborada desde la sencillez y apostando por la excelente fotografía en B&N de Phedon Papamichael, este retrato contemporáneo de la vida rural en Estados Unidos nos transmite todas las dificultades y realidades de un mundo absolutamente carente del encanto y la vistosidad del que Estados Unidos no se cansa de presumir frente al resto del mundo. Al mismo tiempo, Alexander Payne es capaz de dibujar un retrato emocional y complejo de una familia de perdedores que no gozan de ninguna popularidad, pero que están dotados de un gran corazón, cualidad nada útil para sobrevivir. Y así, recorriendo kilómetros podemos vivir junto con los protagonistas y los personajes que se van encontrando por su camino momentos de una gran intensidad emotiva que se articulan sobre pequeños detalles.

Una historia sencilla, basada en el guión de Bob Nelson, que gracias a la acertada visión de su director y a su apuesta por un bellísimo blanco y negro se convierte en una pieza excelente y singular, cimentada sobre la base de la colosal actuación de sus protagonistas, especialmente la de Bruce Dern. 

"Nebraska" está llena de encanto y realismo a partes iguales, con momentos absolutamente conmovedores capaces de trasladar a la gran pantalla, siempre de forma delicada y elegante temas escabrosos como la vejez con su deterioro global, el alcoholismo de las pequeñas localidades rurales y las relaciones nada idílicas de una familia cualquiera en un lugar cualquiera, tan pequeño que apenas alcanza importancia como para que recordemos su nombre. La interpretación de Bruce Dern es tan brillante, que además de sus nominaciones para la estatuilla, alcanzó el premio al mejor actor en el Festival de Cannes 2013.

Director: Alexander Payne.

Intérpretes: Bruce Dern, Will Forte, Stacy Keach, Bob Odenkirk, June Squibb, Missy Doty, Kevin Kunkel, Angela McEwan.

Trailer:

B.S.O.:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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BIG HERO 6 (2014). Los superhéroes de Walt Disney.

Cada vez que Disney compra una gran franquicia, valga de ejemplo su última adquisición Star Wars, todos los fans nos echamos a temblar. Visto lo visto, no tienen ni un pelo de tontos y muuucho dinero. Disney que estaba quedándose obsoleta y cayendo en picado ("El Emperador y sus locuras (2000)" o "Zafarrancho en el rancho (2004)") decidieron fusionarse con Pixar que por aquel entonces les estaba comiendo el terreno a ojos vista, Pixar siempre ha tenido bien claro por donde iba a ir el futuro de la animación. Esto es algo que viene haciéndose desde el principio de los tiempos, para que pelear con tu enemigo si puedes comprarlo y hacer que peleé por ti, como los bizantinos convirtiendo a los vikingos en su guardia varega, un concepto que Nokia no aprendió a tiempo. A raíz de esa fusión, uno de los grandes hitos del cine de animación, la calidad de las películas de Disney volvió a reflotar como la espuma. "Tiana y el sapo (2009)" fue la primera, más tarde llegaran auténticas joyas como "Rompe Ralph (2012)" o esta que estamos tratando. En el año 2009 viendo el filón inagotable de los enmascarados Disney decidió comprar Marvel Comics, otra vez todos los fans nos echamos a temblar no cabía en nuestra cuadriculada cabeza, mi primera impresión fue visionar a un Lobezno animado cantándole a unos pajarillos. Mucho se especuló sobre cual sería el primer superhéroe en aparecer en 3D. Aquí llegamos al primer gran acierto (estaros atentos porque esta película está llena) ¿para que coger a los Vengadores si ya de por si están arrasando con sus películas con actores reales? Pues vamos y hacemos una adaptación libre del comic original de Steven T. Seagle y Duncan Rouleau, Big Hero 6, un cómic aún más desconocido que "Los guardianes de la galaxia" permaneciendo solo alguno de sus protagonistas. La trama es sencilla y con algún que otro estereotipo pero sólo en apariencia, este film animado tiene un ritmo impresionante y combina grandes dosis de acción trepidante con divertidas secuencias de humor que hacen las delicias de los niños (y los no tan niños).

En la metrópolis de San Fransokyo (un cruce de San Francisco y Tokio, otro de los aciertos) vive Hiro Hamada, un adolescente curioso/talentoso al que le encanta la robótica, el cual aprende a sacar provecho de su capacidad gracias a su brillante hermano Tadashi y sus también brillantes amigos: la buscadora de adrenalina GoGo Tamago (una joven dura y de pocas palabras), el afro y meticuloso de la limpieza Wasabi-No-Ginger, la amante de la química Honey Lemon y el fanático de los cómics, la diversión e hijo de un superhéroe de verdad Fred. Tras un devastador giro de los acontecimientos, se ven envueltos en una peligrosa conspiración que tiene lugar en las calles de San Fransokyo, Hiro recurre a su amigo más íntimo: un entrañable robot, una extraña mezcla del muñeco Michelin con la Eva de Wall-E llamado Baymax, y transforma al grupo en una banda de héroes de última tecnología decididos a resolver el misterio y a luchar contra el malvado Yokai, un misterioso villano (otro de los grandes aciertos, de verdad que acojona) que lleva la cara tapada con una mascara Kabuki y con el poder de controlar una miríada de nanobots, construyendo y destruyendo a su antojo.

Big Hero 6 tiene dos grandes aciertos por encima de los demás que me gustaría resaltar:

1) Me alegra mucho ver un film donde los personajes no quieren ser superhéroes pero acaban siéndolo para salir adelante. Los únicos superpoderes que tienen de verdad son su inteligencia y su genialidad. Gracias a estas dos cualidades saldrán airosos en su enfrentamiento con el malvado Yokai. Personalmente me encanta ver un film donde se ensalzan estos valores, que van camino de la extinción, que chocan con el de la mayoría de los filmes o los medios de comunicación que cada día hacen más para promover al público a creer que es moda el hecho de ser estúpido, vulgar e inculto... manteniendo en el mismo estado a la gran mayoría. Véase cuales son los programas más vistos, los libros más leídos o las canciones más escuchadas.

2) El contraste de las personalidades entre el hiperactivo Hiro Hamada y el bonachón de Baymax que desencadena unas cuantas escenas al más puro estilo cómico de los films mudos, una auténtica delicia.Atención a la escena que Baymax se transforma en una especie de Iron Man o en la se queda sin batería impagables y por supuesto atentos también a la aparición de Stan Lee, esta vez animado en 3D.

No es Disney, no es Pixar, no es Marvel,.. es las 3 cosas juntas y funciona, vaya si funciona.

Directores: Chris Williams y Don Hall.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Pepe Mata

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BEN-HUR (1959). La gran epopeya de William Wyler.

Si hay un filme que viene a la mente apenas se menciona la palabra épico es éste. Es intensa, emocionante, grandiosa, bíblica, epopéyica y sobre todo es cine, cine entendido como espectáculo y precisamente por ello es espectacular. De visionado obligatorio en Semana Santa, de hecho la vi durante una Pascua de hace muchos años donde quedé paralelepipeado.  Dije Dios Mío ¿qué es esto? Y el creador me respondió:  Esto es cine, cállate y disfruta la película.

Basada en la novela de Edgar Wallace (550 hojas que necesitaron un ejército de guionistas para reducirlas, entre ellos Gore Vidal, responsable del asunto gay que mencionaremos más tarde)  y remake de un épico silente de 1925 realizado por Fred Niblo, superproducción de 15 millones  de dólares para la época, casi 9 meses de rodaje, 6 de postproducción, 10000 extras, 2500 caballos, 200 camellos, Leslie Nielsen en audición y luego rechazado, fotografiado en panorámico MGM 65 Eastmancolor  que daba un aspecto de pantalla 2,76: 1  y todos los etcéteras que ya conocíamos incluyendo 11 Óscar imbatibles hasta el Titanic. Ben Hur está por derecho propio en su lugar en la historia.

Judá Ben-Hur es un noble comerciante que durante la época convulsa que atraviesa Judea bajo la presión del imperio Romano (30dc) ve en el regreso de su amigo de la niñez, ahora como tribuno romano,  Messala,  una oportunidad para cambiar las cosas y llegar a un período de paz, sin embargo el otro intenta manipularlo para que delate a quienes estarían en contra del yugo imperial lo cual es rechazado por el primero y provoca la rabia del segundo. Durante el desfile de bienvenida a Valerio Grato, nuevo gobernador, accidentalmente, la hermana de Judá hace caer una teja en la cabeza del gobernador justo cuando pasan por su casa y es herido, enseguida los soldados allanan la vivienda acusados de conspiración inculpándose el hermano mayor y aunque Messala se da cuenta de lo fortuito del asunto condena a su ex mejor amigo a las galeras. Durante el camino encadenado cae sediento y un personaje misterioso se acerca a darle de beber.

Judá en cautiverio ha desarrollado un físico impresionante solo comparable al odio que siente hacia los romanos y su deseo de venganza. Quinto Arrio cónsul de Roma, va en la galera, y cuando ésta es atacada por piratas, nuestro héroe le salva la vida, en agradecimiento lo adopta como hijo y vuelve al lujo y la riqueza las cuales aprovechará para cual Edmundo Dantes realizar su vendetta. Ambientado a su condición de "romano" se ha convertido en un reconocido corredor de cuadrigas, estando negociando la compra de unos caballos árabes se entera que Messala es el campeón de esa región del oriente y con el adoctrinamiento de un jeque amigo suyo entrenará para retar al traidor y humillarlo.

De vuelta a Judea  Messala reconoce a su némesis e intuye que la carrera es a muerte, en una escena que ha ingresado a la antología Ben Hur vence al romano quien completamente malogrado en un acto de maldad suprema le confirma que su madre y hermana están vivas y que sufren lepra, tendrás suerte si las reconoces. También se entera que aquel hombre misterioso que lo ayudó alguna vez no es otro de Jesús de Nazareth, el rey y mesías que esperaba el pueblo judío que igual que él ha sido traicionado, encarcelado y condenado e intenta rescatarlo, pero ya es tarde, ha sido crucificado y con el agua lluvia de la tormenta son sanadas milagrosamente su familia.

Charlton Heston, Chuck para los amigos, mimetizó al personaje. Dicen que lo obtuvo cuando Rock Hudson declinó la oferta. (La MGM desde 1952 venía cocinando el proyecto y desde Stewart Granger, Robert Taylor , Marlon Brando, Burt Lancaster y Paul Newman iban de candidatos) Kirk Douglas también mostró interés pero le ofrecieron Messala y optó por Espartaco (1960).  La verdad es que nació para ser Ben Hur, quién como él para mostrar físicamente toda la evolución de este personaje y no solo por ese perfil clásico y porque nadie sudaba en pantalla como Heston. Hay la anécdota que Wyler llamó a escondidas a Stephen Boyd y le dijo que debía interpretar al romano de una manera que insinuara una atracción homosexual hacia su oponente (Gore Vidal había indicado que para justificar todo el odio de este carácter debía ser porque era un amante rechazado). Chuck desconocía el asunto pero cuando se enteró se puso muy furioso. Además Wyler no se convencía que Chuck iba para el papel, le hizo repetir hasta 16 veces una escena en la que él decía: Soy Judío.

El reconocimiento a Hugh Griffith me parece un poco desmedido porque si alguien hubiera merecido el Óscar que se llevó hubiera sido Boyd. Imaginen que además de hacer de gay reprimido tuvo que usar lentes de contacto oscuros pues debía mirar con malevolencia.

La música de Miklós Rósza se ha convertido en inolvidable, quién no reconoce la partitura épica de aquella. Esa mixtura de sonidos traídos de hace centurias combinados con aires modernos (para finales de los cincuenta, claro está) tiene un efecto poderoso todavía en nuestros días.  Músicos como John Williams admiten su influencia.

La famosa carrera no fue realizada por Wyler sino por Andrew Marton, director de segunda unidad, y por esas cosas curiosas, en quizá la de mayor referencia en toda la película. No nos olvidemos que siendo espectáculo aquella escena era inevitable. Y por si casi alguien no lo sabe Sergio Leone andaba por ahí, de asistente del asistente. Y ya que vamos de asistentes, Wyler trabajó como asistente de dirección en la  producción de 1925.

William Wyler cuando fue contratado recibió un sueldo muy por encima de cualquier realizador ($350 000) más el 8% de la recaudación en taquilla. Filmada en Cinecittá, reconstruyendo el circo de Jerusalem porque no habían efectos digitales, usando un estanque y miniaturas para la batalla naval, una escena de crucifixión que no empataba por ningún lado pues Wyler temía herir susceptibilidades aunque después admitiría que siendo judío había hecho una gran película cristiana. Pero aunque la historia es una y la chismología nos entretiene. Ben Hur ha pasado a formar parte de aquellas cintas que la National Film Preservation Board ha seleccionado para su conservación en el National Film Registry por ser una película "cultural, histórica o estéticamente significativa". Si no la tienes, no amas el cine.

Director: William Wyler.

Intérpretes: Charlton Heston, Jack Hawkins, Stephen Boyd, Haya Harareet, Hugh Griffith, Martha Scott, Cathy O'Donnell.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por  Carlos Fernando Carrión Quezada

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